2026年香港苏富比现当代艺术晚间拍卖十五件代表杰作

香港苏富比现当代艺术晚拍即将在3月29日举行，本文集中介绍十五项涵盖绘画、雕塑、混合媒材的精选拍品。这些作品在光与影之间表达耐人寻味的意象，呈现出或宁静沉思的氛围，或神秘的神话传说，或日光之下的温暖日常。

保罗・塞尚，《岩石》，约1867至1870年作

塞尚有誉为「现代艺术之父」，他的艺术创作从根本上连结十九世纪的艺术传统和二十世纪的现代艺术运动。他摒弃如印象派般追求稍纵即逝的光影和氛围，转而探索大自然中固有的基本结构和几何秩序。

在《岩石》（约1867至1870年作）中，岩石遭受严重风化，但草木郁茂，塞尚显然深受这般景致打动，因而以同一构图创作了油画版本和水彩作品。此作是塞尚早年岩石绘画中尺幅最大的作品之一。

乔治・莫兰迪，《静物》，1942至1943年作

《静物》（1942至1943年作）诞生于二次大战进入尾声之际，当时莫兰迪隐居于波隆那郊区的格里扎纳。世界纷乱动荡，莫兰迪却致力描绘「谦逊的物件」（umili soggetti），将物件排列成内在结构稳定的几何世界。正如二十一世纪意大利画家雷纳托・比罗利在日记写下观察所得，盛赞莫兰迪对布置物件具有「令人惊叹的分配感」。此作透过沉稳质朴的大地色调，即所谓精致的低饱和度「莫兰迪色系」，加上精妙布局，将简单平凡的杯子升华为冥想场域，并对后来的极简主义和观念艺术产生深远影响。

赵无极，《云》，1956年作；《红色大地 - 16.01.2005》，纪年2005年1月16日

今季现当代艺术晚拍呈献两幅法籍华裔先锋艺术家赵无极的精湛杰作。

《红色大地 - 16.01.2005》（纪年2005年）以亮眼奔放的火红色为主调。 2008年，法国杂志《Vernissages》创刊号纪念赵无极从艺六十年的个人成就，为他进行专访。在该期杂志的封面，赵无极精神奕奕地站在《红色大地 - 16.01.2005》前，笑容满面，可见此画是他艺术生涯中的得意之作。另外，此作收录于何塞・弗雷什（José Frèches）编著的《赵无极–作品、文字、访谈录》（Zao Wou-Ki - Oeuvres, écrits, entretiens）一书，该书汇集了艺术家不同时期的重要文字、访谈和作品；此作亦著录在《赵无极 1935 – 2008》（Zao Wou-Ki 1935 – 2008）一书，进一步突显此作在他作品中的重要地位。

《云》（1956年作）是可资比较的更早期杰作，岩石上涂抹了犹如书法笔划的深红色线条，充满质感，就像让语言在矿石表面上暂时获得喘息的旅程。此作预示赵无极即将进入五十年代末的「狂草时期」，也是展示他「甲骨文时期」已臻成熟的代表典范。

児岛善三郎，《裸女》，1928至1929年作

日本现代艺术先驱児岛善三郎于1893年出生于日本福冈，二十岁那年，他为实现当画家的梦想移居东京。《裸女》（1928至1929年作）属于罕见之作，児岛善三郎一生只创作了约五十幅裸女肖像，其中站姿裸女更少于二十幅。由于背景大多缺乏可以辨识的物件，他笔下的人物能够超越时空，清新自然，容易令人产生共鸣，引领观者展开想像和投射感情。

藤田嗣治，《年轻女子肖像》，1931年作

藤田嗣治的《年轻女子肖像》（1931年作）散发着不经意的优雅，画中人展现漫不经心的青春面容，属于他三十年代作品的典型特色。藤田嗣治回到日本前，已经是二十年代巴黎艺坛上备受瞩目的人物。 1950年，日本因二次大战遗祸而出现巨大转变，藤田嗣治决定重回法国。梳洗中的女子是反覆见于欧洲印象派绘画和日本浮世绘版画的题材，藤田嗣治本身就经常游走于日本和欧洲文化之间，他也因为这个广为人知的题材而找到稳定的立足之处。

勒迈耶，《峇厘室内的两位女子》

勒迈耶曾就读于布鲁塞尔的皇家美术学院，1932年他初次来到峇厘岛，此后便致力绘画这座心爱的岛屿，描绘沐浴在阳光下的优雅景色，刻划当地的温暖氛围、传统仪式、舞蹈和文化历史。他选择住在沙努尔海滩的传统峇厘式住宅，《峇厘室内的两位女子》便是记录这段当地生活的珍贵写照。木色深润的家具在微光下给黄色花朵和绿色桌布映照得闪闪生辉，画中光线温馨惬意，引领观者沉浸于舒适宜人、半明半暗的家居空间。

草间弥生，《卷蒂南瓜》，1998年作；《南瓜》，2015年作

身为最伟大的在世艺术家之一，日本艺坛巨星草间弥生的创作一直让世人惊叹不已。今季现当代艺术晚拍呈献两件出自其著名「南瓜」系列的典范之作，分别是雕塑和绘画。

《南瓜》（2015年作）高逾两米，以着色强化玻璃纤维塑料制作，外观饱满丰腴，营造让人静思冥想的氛围。草间弥生与南瓜之间有着深厚的羁绊，这种联系源自她年幼时参观家族经营苗种农场的回忆，并借着早年在京都研习艺术的经历而加深，开始以不断绘画南瓜为冥想的方式。这类圆点南瓜雕塑醒目大胆，广受全球爱戴，集乐观、平静、喜悦于一身，为草间弥生带来灵性上的平衡。

《卷蒂南瓜》（1998年作）创作于十七年前，当时草间弥生处于艺术生涯中的关键时期。虽然她在前一年曾入住精神病院，却没有妨碍她继续高产量创作。就在她完成此作的同一年，「永恒的爱：草间弥生，1958–1968年」回顾展在洛杉矶县艺术博物馆开幕，之后巡展至纽约现代艺术博物馆和明尼阿波利斯沃克艺术中心，最后以东京都现代美术馆为终站。画中南瓜蒂盘绕一圈，极为罕见，是迄今唯一一幅现身拍场的南瓜画作具有这项特征。

赫尔南・巴斯，《难题》，2012年作

赫尔南・巴斯现于迈阿密生活和工作，他的画作充满象征意涵，具有强烈氛围感，总是暧昧不明，潜藏各种可能。《难题》（2012年作）描绘一男子在森林中孤身一人，被茂盛植物和无人踏足的小径环抱，置身于既像电影场景、又带有超现实和奇幻意味的乌托邦氛围中。男子领口立起，目光低垂，他「苍白和像幽灵般消瘦」的身影踌躇不前，就如萦绕他的雾气和水流似的无常易逝。画中气氛诡异幽森，唤起十九世纪浪漫主义那般充满情感的风景，让人联想到贾斯帕・大卫・费得利奇一类艺术家的作品，此作与费得利奇的《雾海上的旅人》同样暗示了大自然和自身之间的脆弱平衡。

段建宇，《艺术鸡5号》，2003年作

段建宇利用鸡大肆嘲弄和反讽艺术，同时突显城市与郷村生活之间的冲突。《艺术鸡5号》绘于2003年，出自她在千禧年代开始创作的最重要系列。她完成此作的同一年，应邀参加威尼斯双年展，展出由一百只鸡模型组成的装置《艺术鸡》，该作品现存四十只鸡模型，并获香港M+博物馆收藏。

段建宇出生于中国河南，毕业于广州美术学院，她特意在此作中挪用爱德华・马奈的名作《草地上的午餐》，融入别具特色的讽刺风格，针对艺术史上女性总被物化的现象，提出自己的个人见解。

李圣子，《无题》，1961年作

李圣子是韩国重要的抽象艺术先驱，与金焕基和朴寿根等艺术家并驾齐驱。 1951年，她离开漫天战火的韩国，前往法国大茅舍艺术学院深造。她如此描述当年经历：「在海洋深处，我安然抵达了巴黎⋯⋯我将要在异国的土地上重生。」以炽烈火红为主调的《无题》（1961年作）出自李圣子的「女性与大地时期」（1958–1968年），时值她移居法国的十年后，让人联想到缝纫和耕作，关系到照料、守护和传承。她身为三子之母，又对韩国十分思念，两者便成为这个时期驱动她创作的最大动力。

露西・布尔，《22:14》，2022年作

露西・布尔出生于纽约，所创作的《22:14》（2022年作）尺幅恢宏，高逾两米，犹如一首用多层色彩叠加而成的抽象艺术交响乐。布尔凭着精准的直觉，巧妙将四至二十层不等的颜料交织于画面结构中，作品肌理错综复杂，仿佛带有法医鉴定和发掘考古遗址的特质，既引人入胜，却又让人气馁，迫使观者近距离细心观赏。正如2021年她接受《Bomb》杂志专访时所言：「时间至关重要。我觉得很多画作都像是随着时间绽放的。层层叠叠的颜料开始流动、解构。你看得越多，看到的就越多。」

凯斯・哈林，《无题》，1982年作

街头艺术家兼社会运动家凯斯・哈林出生于宾夕法尼亚州，所创作的符号和设计深入人心，在四十年后仍然极具标志性。他信手画成的发光婴儿、吠叫的狗、金字塔、十字架、心形图案、飞碟、阳具形状的舞者，至今仍发人深省，让大家继续思考当年他认为至关重要的议题。在烤瓷漆金属板制作的《无题》（1982年作）中，可以看见曾推动哈林从纽约市的肮脏地下铁广告板跳入大众视野的力量，他将在街头创作的经验凝聚成线条简练的作品，成就代表接纳、友谊、社群的意象。