2026年新加坡现当代艺术拍卖：廿一件不容错过的瞩目佳作

沃尔特・史毕斯在1922年创作的《滑冰》，完成于他移居东南亚这一人生转捩点之前。此作捕捉了这位出生于莫斯科的现代主义画家，在迈入人生辉煌篇章前的灵光时刻。作为他早年在欧洲生活时期少有的自传式作品，此作描绘了一幅如梦似幻的夜景：在几近单色的湛蓝世界中，滑冰的人在月光照亮的冰场随心滑行，他们身形修长，正面朝向观众，徘徊于纯真与不安之间。此作汇聚了形成史毕斯个人风格的多重影响，包括德国表现主义的倾斜平面和压缩空间、立体未来主义的对角线构图，以及他在战时被囚期间与巴什基尔和鞑靼游牧民族相处时形成的原始主义思想，亦见他的创作带有亨利・卢梭和马克・夏加尔的影子。史毕斯以柔和的色层建构犹如电影画面一般的场景，赋予画作一种奇幻的静谧感，也预示日后他在描绘峇里岛的杰作中所形成的招牌魔幻写实主义风格。 1923年，《滑冰》首度在阿姆斯特丹市立博物馆展出，其后进入私人收藏接近十五年。如今，此作以博物馆级藏品的迷人姿态现身拍场，见证史毕斯在短暂的艺术生涯中，如何在跨越文化的现代主义发展历程中留下不可磨灭的印记。

《日间默拉皮火山爆发》（1865年作）是拉登・谢里夫・布斯塔曼・萨尔有誉为印尼现代绘画之父兼十九世纪亚洲艺术先驱的明证。萨尔虽在欧洲接受艺术训练，创作却深深植根爪哇文化之中；他融合西方的浪漫自然主义与家乡的精神和自然戏剧张力，开创一套全新的视觉语汇，而其火山题材作品正是此融合最震撼人心的体现。这类画作存世不足四十幅，乃其艺术生涯中最受追捧的瑰宝。此作描绘了默拉皮火山全景的壮阔景致，完美展现了萨尔在1852年回到爪哇后已臻成熟的绘画造诣：画中山体轮廓清晰，山景描画角度辽阔，以及具有近似电影画面般的震撼力。火山圣峰喷发一刻，烟尘和烈焰腾空而起，画作展现爪哇文化对火山充满敬畏，亦预示了萨尔在1865年开展这个著名的绘画系列，以画笔记录默拉皮火山的爆发历程。此作结合科学观察和浪漫主义强调的崇高感，凝练了萨尔作为东西文化桥梁和东南亚现代主义奠基者的不朽地位。

《织女》（约1953年作）生动见证着比利时艺术家勒迈耶对峇里岛生活的深情投入。他运用印象派的细腻敏锐，将热带阳光下群体织作的宁静韵致跃然于画布之上。此作出自勒迈耶备受追捧的峇里岛生活后期，画中妇女在传统织布机前专心工作，姿态沉静，所穿纱笼轻柔飘逸，与背景的蓊郁绿植交织成和谐纯朴的田园风光。勒迈耶透过巧妙的配色和精准的光暗拿捏，为画面注入富有诗意的温暖光晕，既呈现热带风光，亦彰显当地文化的日常之美。此作超越了单纯的风俗画，它捕捉了文化传承的亲密时刻与女性的婉约优雅，呼应了艺术家毕生对峇里岛风土人情的礼赞。

2004年，赵无极在国际名声达到巅峰之时创作《无题》，标志着他非凡艺术生涯的最终篇章。继当选为法兰西艺术院院士，并在法国国立网球场现代美术馆举办大型回顾展以后，赵无极的后期作品焕发一种全新的空灵意象和宁静气息。在今次上拍的作品中，略带透明感的柔和金黄色映入观众眼帘，一抹抹流动的翠绿和青蓝笔触横贯画面，仿佛在画布上呼吸律动。此作深受印象派影响，绽发粉彩色调的温暖光辉，构图上则运用中国传统水墨画的留白手法，以虚空表现深度、光线与精神共鸣。随着赵无极的油画美学愈发接近水墨意境，空间在冥想般的节奏中开合，以抽象方式折射出传统山水画的壮阔意境。赵无极于2008年停止油画创作，故此类油画作品弥足珍贵。近年，赵无极在千禧年后的油画在拍场表现亮眼，更能突显这种宁静而光芒闪耀的晚期风格，拥有历久弥新的非凡魅力。

村上隆以色彩绚丽的《无题》（2017年作）向伊夫・克莱因致意。自1990年代初起，克莱因的蓝色单色画便不断回荡于村上隆的创作中。此作运用优雅蓝调呼应克莱因绘于1961年的标志杰作《单色蓝》，更进一步将单一色彩幻化为无数色阶的蓝色，让笑脸花簇拥成万花筒般缤纷的画面。村上隆在1995年首创的笑脸花，现已成为风靡全球的标志，横跨当代艺术、时尚与文化领域。然而，笑脸花蕴含更深层的共鸣意义：如村上隆所言，每朵小花都在传达情感和不安，既反映广岛和长崎的集体创伤，亦隐喻人群涌动的紧张张力。村上隆在此作渗入他著名的「超扁平」美学，巧妙利用动漫、御宅族文化和纯艺术的元素，将日本画的传统技法和流行文化常见的扁平风格结合。村上隆现居东京，素来积极以创作重塑当代日本艺术的边界，近年亦与各大机构合作，例如2025年与路易威登合作推出的时尚项目，更巩固他在全球奢侈品和艺术领域发挥的巨大影响。今次上拍的《无题》尺幅宏大，为藏家提供了购藏此著名系列的难得良机；值得一提的是，同系列作品在2023年创下成交价超过1,000万港元的拍卖纪录。

《东约克郡沃盖特的春临（2011年）- 1月13日》（2011年作）出自大卫・霍克尼以iPad绘制的首个完整系列，极具开创意义。此系列在2014年正式发行，不仅标志着数位美术发展的一大转捩点，更确立了iPad作为专业版画创作工具的地位。此作是霍克尼重返约克郡后在户外写生而成，捕捉了冬去春来之际景致的微妙变化，反映艺术家在阳光明媚的南加州生活二十年后，对季节更迭的著迷。此作是全球发行仅25版的其一幅标准版画，记录了季节循环中某个单日的景象，并以创作日期为题，非常珍稀。 2012年1月，此一系列在伦敦皇家艺术学院举行的「大卫・霍克尼：大写的绘画」特展首度亮相，其后巡展至毕尔包古根汉美术馆、科隆路德维希博物馆及三藩市笛洋美术馆，进一步提升他的国际声誉。霍克尼的iPad作品在2025年录得410万美元的总成交额，接近2023年历史峰值的三倍，可见他的iPad画作在市场上势头空前看涨。此版标记为1月13日的作品，仅有另一幅画作曾现身拍场，所以此作会是今场拍卖中藏家争相竞逐的梦幻珍品。

韩裔艺术家李禹焕的《对应》（2000年作）出自创作于1991年至2006年间的标志系列，堪称呈现其冥想式实践的典范之作。身为日本「物派」运动的先锋人物，李禹焕将笔触转化为物质与虚空之间的静默对话；将运笔的动作淬链至最基本形式的同时，着重物质性和时间的流逝。相比创作时间较早的「从线」和「与风」系列，此作笔触更为紧密厚实，近乎矩形的形态在刻意留白的背景出众鲜明。笔痕与虚空交织的张力充满深思意味，可见的笔触与周围的负空间互相定义和剌激，引导观众在「有」与「无」之间沉思对话。李禹焕的作品获全球各大顶尖博物馆永久收藏，包括M+博物馆、所罗门・R・古根汉美术馆及森美术馆。

《人兽之间》（2005年作）创作于岳敏君在国际艺坛声誉最盛之时，是他鲜明地展现「玩世现实主义」风格的经典例作。同年，他获邀参加第五十一届威尼斯双年展，成功奠定其国际地位。画中八个半人半兽的形象在蔚蓝晴空下肆意狂笑，画面定格于喧闹一瞬；作品讽刺红卫兵的狂热，同时折射出当代中国在历史健忘症与商业狂潮交织下的不安状态。画中人物笑容怪异，双眼紧闭，将幽默化作微妙的抵抗，传达出个体在社会和历史压力下的脆弱和生存欲望。 2006年，上海当代艺术馆举行「恒动：当代艺术对话」展览，当时此作与刘野、曾梵志、张晓刚等艺术家的作品一同展出。作品充分展现了岳敏君对叙事、政治批判及视觉重复手法的精准驾驭。此作曾由显赫藏家私人收藏十多年，如今释出市场，为藏家提供了购藏这位中国当代重要艺术家关键作品的难得良机。岳敏君的作品获多间著名博物馆收藏，包括M+博物馆、三藩市现代艺术博物馆及中国美术馆。

黎谱擅长以水墨绢本结合东方情怀与西方绘画传统，《母与子，于花丛前》正是彰显他娴熟运用这种媒介表现细腻诗意的匠心杰作。此作以展现母性的亲密温柔为核心，身穿传统奥黛的母亲抱着孩子，焕发宁静沉稳的力量，展现母爱这一跨越文化的普世精神。此作绘于黎谱的「罗曼内时期」，画作构图让人联想到乔托和拉斐尔笔下的「圣母子像」，却又保留了越南独有的浪漫韵致和温情，表达母爱这种跨越文化的深厚情感。黎谱的绢本技法精湛卓绝，通过层层淡墨和粉彩，形成淡雅空灵的渐变层次；而具有保护寓意的低发髻和牡丹等象征符号，更为画作增添精神深度。画中母亲的飘逸丝巾是重要的标志元素，巧妙串联起东西美学，将传统奥黛的优雅和后印象派与象征主义大师对色彩的感知融为一体。此作绘于黎谱移居巴黎之后，洋溢着浓重的乡愁气息，可见黎谱将对故土的追忆和思念，升华为诗意盎然的视觉盛宴。

《调戏》（1966年作）以水墨水粉绘于绢本，是枚中栨技法登峰造极时期的代表作。枚中栨移居巴黎后钻研绢本画数十载，终在此时期完全掌握绢本微妙而诗意的语言。本作以其标志性的细腻笔触，捕捉了人物间嬉戏互动的优雅亲密瞬间。水墨和色彩在绢面流转交融，展现枚中栨充分掌握处理线条和形态的技艺，既让观众感受到东方美学意韵，又蕴含属于现代的抒情表达，将日常场景提升为对美与优雅的永恒写照。在宁静而描画细腻的背景映衬下，人物与意象浑然天成，回应枚中栨毕生对女性特质、回忆和文化认同的探索。 《调戏》植根于越南现代艺术的丰厚传统，同时深具普世感染力，是枚中栨最备受青睐的绢本画作品之一。

《以狂喜冲击眼睛》（1984年作）融合鲜艳明亮的用色、实验性物料及标志的立体缝压拼布技法，体现了帕西妲・阿巴德对抽象艺术大胆创新的探索。此作诞生于她构思「东方抽象」系列的关键时期，将在1983年首尔之旅途中研究出的稻穗意象转化为完全抽象的画面，并透过层叠针法、镶嵌镜片和钮扣，赋予作品熠熠生辉的光泽，进一步增强作品的抒情张力。阿巴德热爱旅游，足迹遍及亚洲、非洲、美洲，她的丰富游历塑造出连结多元文化的视觉语汇，成为当代艺坛上独树一格的声音。这幅立体拼布作品质感丰富，来源别具历史意义，曾在香港展出，如今首度现身拍场，为藏家带来收藏良机，得以拥有阿巴德备受青睐的创作成就，亦印证了她的作品在国际上的声誉和生命力皆历久不衰。

《绘画是 ── 三句话》（2022年作）延续了李绫瑄对绘画立于雕塑与物质性交汇之处的探索；自2008年她在新加坡双年展展出《原始画布》以后，此理念便成为她的创作核心。 《绘画是 ── 三句话》是一件三联作，曾在新加坡泰戈尔画廊展出，李绫瑄透过将平面转化为立体、笔触变成形状，探索绘画的界线。此作以蓝白色为主调，厚重的油彩隐约透出少量粉红、赤红与翠绿的底色；由木料、压克力和复合媒材构成的基底则在脆弱与坚实之间激发张力。李绫瑄完全舍弃执笔绘画的方式，直接徒手掘挖厚涂油彩以显露下方的彩色裂痕，引领观众与色彩、质感及感觉展开亲密的触觉对话。此作表面上看似摇摇欲坠，颠覆大家对重量和形态的传统认知，同时再次印证李绫瑄身为东南亚当代艺坛重要一员的地位。

《我最喜欢的水果》（1996年作）诞生于峇里岛艺术家伊・古斯提・阿育・卡德可・穆妮阿绪开始形成个人风格的关键时期，其时她正在开创一套独特的视觉语汇，以打破常规和极其直白的方式，处理各种非常个人的主题。这幅压克力画布作品绘于90年代中期，见证穆妮阿绪因大胆坦诚地描写女性身分、欲望与生活经验而备受国际瞩目。画题《我最喜欢的水果》暗示物件与心理之间的亲密互动，呼应穆妮阿绪对身体、感官及象征意象的广泛探索。她以标志性的鲜明色彩和近乎稚拙的简化造型，将日常题材转化成充满心理张力的画面，在展现她反抗社会规范同时，也体现她致力以画作宣扬女性自主的创作信念。穆妮阿绪的创作深植于她从学习传统彭戈塞坎风格到将之颠覆的历程，展现大胆而富有想像力的视野；这种创作视野让她在身故以后仍然备受爱戴，作品依然持续引发全球展览与收藏界的热烈回响。

马克・夏加尔的《情侣与含羞草》（1960年作）洋溢着如梦似幻的抒情气息与温柔的乐观精神，这正是夏加尔晚年作品的鲜明特色。画中恋人在盛放的含羞草花束前相拥，含羞草象征敏感、坚韧与欢愉，而满载成熟水果的篮子和城市夜景则让人想到繁荣和旧日情怀，也唤起追忆往昔的甘美。夏加尔以此画对心爱的妻子贝拉献上深切爱意，女子的新娘装扮更突显作品对永恒爱情的颂扬。夏加尔从法国南部的明媚阳光和丰饶景致得到启发，利用水粉和粉彩为媒介，将极具个人特色的超现实风格融入生气蓬勃的地中海风光。

《戴帽女子肖像》（1964年作）体现了巴布罗・毕加索在后期艺术生涯中对女性脸容的迷恋，展示他对处理造型时既富玩味、又严谨世故的手法。此作是在法国瓦洛里斯的马杜拉陶艺工坊烧制的红陶作品，为限量版作品。画面呈现戴着华丽帽饰的巨大头像，其风格化的五官充满表现力和立体感。微微凸起的浮雕与质感上的对比，反映毕加索以陶艺结合版画和绘画创作的功力；画中人的神韵让人想到毕加索的缪斯女神兼妻子贾桂琳・洛克。作品背面盖有「Madoura Plein Feu」和「Empreinte Originale de Picasso」印章，彰显了毕加索将日常物料升华为连结艺术与情感共鸣之作的卓越造诣，向藏家展示他晚年肖像创作中独出心裁的创新典范。

《无题》（1969年作）捕捉了委内瑞拉艺术家奥斯瓦尔多・维加斯在开创视觉语汇过程中的关键时刻；他在创作中融合拉丁美洲的身分认同和战后现代主义的大胆实验精神。此作是油画画布作品，背面有艺术家签名和纪年，出自维加斯从巴黎回国后成熟画风趋于稳定的时期。旅居巴黎期间，他汲取了非形式主义和欧洲抽象艺术的前卫养分，并将这些元素与植根于家乡的象征文化意象给合。此作中，富有表现力的笔触构成各种形状与对比色交融给合，将具象与抽象表现的界线模糊起来，映照出维加斯对形式、情感及祖先共鸣之间形而上互动的长期探索。此作来源有序，可追溯至约1970年的迈阿密私人收藏，见证着维加斯跃登国际舞台以后影响力上升，亦足见他在二十世纪拉丁美洲艺术现代主义革新浪潮中已然举足轻重。

《1974年3月3日》（1974年作）显见朱德群在1970年代已精准掌握抒情抽象创作的表现；当时他结合东方美学与西方技法，开创出自成一家的视觉语汇。 1969年，朱德群参观过伦勃朗的回顾展以后深受启发，在画中运用富戏剧性的明暗对比，以让人几乎顿入沉思的深色背景烘托明亮的黄调和光点，形成贯穿其该时期作品的「阴阳」对话。朱德群超越了对大自然的客观描摹，转而汲取其「内在意象」，利用融入书法笔意的流丽笔触处理空间和形态，让中国传统书法和现代抽象艺术调和融合，将抒情的律动、光影与思考深度交汇于画作中。

《无题》（1978年作）与前文述及的《1974年3月3日》创作于同一时期，记录了朱德群将中国的哲学与美学传统结合西方抽象艺术的表现潜能，在探索集各家大成的视觉语汇途中的一个重要时刻。此作可见他从宋代水墨山水得到灵感，以奔放流畅的书法笔意重现壮阔的山水，呼应文人画的优雅哲思。画中以单色为主，营造宁谧沉静的氛围，点缀其间的绿、红、黄、白四色，赋予画作强烈的对比与生命力，这亦是朱德群在70年代的标志风格。 《无题》透过融合水墨画的质感韵致和油画的跳脱鲜活，成就一场抽象与传统之间的东西对话。

《梦之乡》（1998年作）作为充满个人反思的心血之作，展现了朱德群融合东西审美意趣的娴熟自如，备受国际好评。 1983年朱德群回到中国后，重访年轻时游览过的名山大川，再在作品中融合中国传统山水美学和抒情抽象艺术的理念。 《梦之乡》诞生于朱德群国际声誉最隆盛之时，不久前他才获选为法兰西艺术院院士，画中造就独特的光影交织，承袭自道家哲学和西洋古典油画的明暗法，表达对阴阳调和的深刻感悟。宝石蓝、靛蓝与海蓝层层堆叠，在画布上激起涟漪，朱红、金黄与翡翠绿点缀其间，犹如阳光在水面跳跃，营造炽亮而静谧的幽思意境。 1998年，此作曾在巴黎帕特里斯・特里加诺画廊展出；2004年，此作亮相香港大学美术博物馆举办的展览「物我两忘：朱德群绘画」（由艺倡画廊策划）。 《梦之乡》不仅见证了艺术家精湛的抒情技艺，更彰显了其历久不衰的全球影响力。

《无题》（1960至1964年作）记录了谢景兰的画风演变进程中的关键时刻，当时她正着力研究，将舞蹈、音乐与书法训练中习得的节奏和动势，转化成个人创作的抽象语汇。挥洒而就的笔触在色彩层层叠加的画布上跃动，色彩、形体与肌理在流畅如编舞般的互动中交织，兼具动感与内省深意。此作绘于谢景兰在巴黎试验各类创作的十年期间，展现她对抒情抽象艺术的投入；在随性创作与维持构图和谐之间取得平衡之外，又呈现对空间、节奏及身体表达潜能等的灵敏感受。这幅早期油画极具前瞻性，展现出日后定义其成熟风格的诗意表达和创新构图。