Aiko Miyawaki

Collection Hans Richter, Germany (acquired directly from the artist in the late 1960s)

Private Collection, Germany

__________________________________________________________________

Collection Hans Richter, Allemagne (acquis directement auprès de l'artiste à la fin des années 1960)

Private Collection, Allemagne

In the fall of 1962, I spent several hours on a street corner in Paris, watching the sun set, and as it got darker, it had a great effect on me…. I lost all interest in stories which have a beginning, and an end, in bold shapes, bright colors. Then I started to make works that seem to have no beginning, no end.

Miyawaki Aiko

Born in 1929, the Japanese artist Aiko Miyawaki is one of the emblematic figures of abstraction. She worked alongside important figures in the art world such as Man Ray, Hans Richter, Marcel Duchamp and Richard Lindner. While she is best known for her work in sculpture, her two-dimensional works are relics of an experimental approach to materials as well as forms.

Growing up in Japan, Miyawaki experienced earthquakes, typhoons and other natural disasters. She became aware of the fragility of things. The notion of temporality gradually permeates her work to the point of becoming the guiding thread of her creative approach.

From the 1960s onwards, she developed a technique that consisted of mixing oil and marble powder on a wooden panel. The resulting substance gives rise to an undulating surface that seems both fixed and in constant motion. In this way, the artist refers to the ephemeral nature of things. These disconcerting forms illustrate the irregularity and change that give rhythm to our earthly existence.

The work, created in 1962, is strewn with vertical shapes that seem to free themselves from their support. The different shades of grey give the panel a certain relief. The work thus remains at the intersection between the medium of painting and that of sculpture. This in-between situation reinforces the idea that nothing is definitive. Moreover, the work seems to change its appearance depending on the lighting and the angle from which it is viewed. The artist strives to sharpen the viewer's gaze, making them aware of the slight variations that occur on the surface.

These repetitive forms also have a calming effect on the eye. The sobriety of the shades of grey evokes a sense of calm. Moreover, the horizontal distribution of the motifs on the panel is reminiscent of a musical score. The work can therefore be seen as the outline of a silent melody.

Although the work in question was produced during the artist's stay in Paris, as part of a contract with the dealer André Schoeller, on her return to Japan she began to produce three-dimensional sculptures. Miyawaki's work was a worldwide success and has been exhibited in numerous exhibitions, including at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in the United States, and the Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama in Japan.

_________________________________________________________

À l'automne 1962, j'ai passé plusieurs heures au coin d'une rue à Paris, à regarder le soleil se coucher, et comme il faisait plus sombre, cela a eu un grand effet sur moi..... J'ai perdu tout intérêt pour les histoires qui ont un début et une fin, avec des formes audacieuses, des couleurs vives. J'ai alors commencé à réaliser des œuvres qui semblent n'avoir ni début ni fin.

Miyawaki Aiko

Née en 1929, l’artiste japonaise Aiko Miyawaki est l’une des figures emblématiques de l’abstraction. Elle côtoie des personnalités importantes du monde de l’art dont Man Ray, Hans Richter, Marcel Duchamp et Richard Lindner. Si cette dernière est surtout réputée pour son travail autour de la sculpture, ses œuvres en deux dimensions constituent les reliques d’une approche expérimentale vis-à-vis des matériaux aussi bien que des formes.

Ayant grandi au Japon, Miyawaki fait l’expérience des tremblements de terre, typhons et autres catastrophes naturelles. Cette dernière prend alors conscience de la fragilité des choses. La notion de temporalité s’imprègne progressivement dans son œuvre au point de devenir le fil conducteur de son approche créative.

À partir des années 1960, elle développe une technique qui consiste à mêler de l’huile et de la poudre de marbre sur un panneau en bois. La substance qui résulte de ce mélange donne lieu à une surface ondulée qui semble à la fois figée et en perpétuel mouvement. C’est ainsi que l’artiste renvoie au caractère éphémère des choses. Ces formes déconcertantes illustrent l’irrégularité et le changement qui rythment notre existence terrestre.

L’œuvre réalisée en 1962, est parsemée de formes verticales qui semblent s’affranchir de leur support. Les différentes tonalités de gris confèrent un certain relief au panneau. L’œuvre demeure ainsi à l’intersection entre le medium de la peinture et celui de la sculpture. Cette situation d’entre-deux renforce l’idée selon laquelle rien n’est définitif. Plus encore, l’œuvre semble changer d’apparence en fonction de l’éclairage ainsi que de l’angle à partir duquel elle est perçue. L’artiste s’efforce à aiguiser le regard du spectateur le sensibilisant aux légères variations qui s’opèrent au niveau de la surface.

Ces formes répétitives ont également un effet apaisant sur le regard. De par leur sobriété, les nuances de gris évoquent un sentiment de quiétude. Qui plus est, la répartition horizontale des motifs sur le panneau fait songer à une partition de musique. L’œuvre peut donc être envisagée comme l’esquisse d’une mélodie silencieuse.

Si l’œuvre en question est réalisée durant un séjour de l’artiste à Paris, dans le cadre d’un contrat avec le marchand André Schoeller, dès son retour au Japon, celle-ci s’attelle à la production de sculptures en trois dimensions. Les travaux de Miyawaki connaissent un grand succès à l’échelle mondiale. Ces derniers ont fait l’objet de nombreuses expositions, notamment au Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum aux Etats-Unis, ainsi qu’au Museum of Modern Art, Kamakura & Hayama au Japon.