"It takes me weeks to decide which group of bottles will suit a particular coloured tablecloth. Then it takes me weeks to think about the bottles themselves, yet I still often fail the spaces. Maybe I work too fast? Maybe we all work too fast these days? Half a dozen paintings would barely be enough for an artist's life...".
These words provide just a small sample of the deep contemplative state Giorgio Morandi was in every time he sat at his easel. His works, which at a quick and casual glance may seem simple, actually emanate a mysterious sense of harmony, poetry and indefinable beauty, managing to touch our deepest and most intimate emotions. Morandi transforms the ordinary into the extraordinary, creating new worlds made of objects emptied of their everyday and utilitarian significance, transformed into floating planes of colour and form. A form given by a clear visual rhythm, calligraphic in its composition: "the real book of philosophy, the book on nature, is written in letters that are unknown to our alphabet," says the artist. "These letters are triangles, squares, circles, spheres, pyramids, cones and other geometric shapes. I identify with the Galilean thought in my old conviction that the feelings and images aroused by the visible world, which is a formal world, are very difficult, or perhaps impossible, to express in words. In fact they are feelings that have no relationship or a very indirect relationship with everyday effects and interests, since they are determined, as I said before, by forms, colours, spaces and light" (Interview with Morandi, "Voice of America", Presto Recording Corporation Paramus, New Jersey, 25 April 1957).
Painted in 1942, Natura morta belongs to the artist's so-called 'wartime period', considered perhaps one of the most creative and prolific phases of Morandi's painting. The outbreak of a new world war and the subsequent devastation developed in the Bolognese painter a growing tendency towards solitude, leading him more and more to a withdrawn and contemplative life. These were the years in which he began to work in series, making small variations to his compositions, adding, removing or moving his chosen repertoire of objects. Marilena Pasquali writes: "the procedure of the variation is perfected and the paintings seem to be contiguous photograms of the same image, captured in all its facets. The identity of the work is now given by a veil of shadow, now by a mantle of solar dust, now by warm colours that the artist seems to borrow from Bolognese plaster, from the deep reds of terracotta and from the yellows caressed by the shivers of light". (Marilena Pasquali, Morandi, Florence 1990, pp.39-40) and adds "...around 1941-43 the artist regained critical detachment and a sense of proportion, that is to say - in painting - he rediscovered the relaxed spaces, the harmony of well-chosen forms, the dialogue of a few calm voices, the grazing light that underlines the differences in chromatic tones".
It is through all these elements that Giorgio Morandi pursues his primary investigation: the relationship of painting with his own inner universe. The challenge, therefore, is to look to the depths of things, stripping them of their exterior and frivolity, in order to give them back to us in their original form.
“Mi ci vogliono settimane per decidere quale gruppo di bottiglie andrà bene con una particolare tovaglia colorata. Poi mi ci vogliono settimane per pensare alle bottiglie stesse, eppure spesso sbaglio ancora gli spazi. Forse lavoro troppo in fretta? Forse lavoriamo tutti troppo in fretta di questi tempi? Una mezza dozzina di quadri sarebbe appena sufficiente per la vita di un artista...”
Queste parole forniscono soltanto un piccolo assaggio del profondo stato contemplativo in cui Giorgio Morandi versava ogni volta che sedeva davanti al cavalletto. Le sue opere, che ad uno sguardo veloce e disinteressato possono sembrare semplici, emanano in realtà un misterioso senso di armonia, poesia e indefinibile bellezza, riuscendo a toccare le nostre più intime e profonde emozioni. Morandi trasforma l’ordinario in straordinario, creando mondi nuovi fatti di oggetti svuotati del loro significato quotidiano e utilitaristico, trasformati in piani fluttuanti di colore e forma. Una forma data da un chiaro ritmo visivo, calligrafico nella composizione: “il vero libro di filosofia, il libro sulla natura, è scritto in lettere sconosciute al nostro alfabeto – afferma l’artista – Queste lettere sono triangoli, quadrati, cerchi, sfere, piramidi, coni e altre forme geometriche. Mi identifico con il campo di pensiero galileiano nella mia vecchia convinzione che i sentimenti e le immagini suscitate dal mondo visibile, che è un mondo formale, sono molto difficili, o forse impossibili, da esprimere a parole. In effetti sono sentimenti che non hanno alcun rapporto o un rapporto molto indiretto con gli effetti e con gli interessi quotidiani, in quanto sono determinati, come ho detto prima, da forme, colori, spazi e luce” (Intervista a Morandi, “Voice of America”, Presto Recording Corporation Paramus, New Jersey, 25 aprile 1957).
Dipinto nel 1942, Natura morta appartiene al cosiddetto periodo bellico dell’artista, riconosciuto forse come una delle più creative e prolifiche fasi della pittura morandiana. Lo scoppio di un nuovo conflitto mondiale e le successive devastazioni sviluppano nel pittore bolognese una crescente tendenza alla solitudine, portandolo sempre più ad una vita ritirata e contemplativa. Sono gli anni in cui comincia a lavorare in serie, apportando piccole variazioni alle sue composizioni, aggiungendo, rimuovendo o spostando il repertorio di oggetti da lui scelto. Marilena Pasquali ci istruisce in questo scrivendo: “il procedimento della variante viene perfezionato e i dipinti paiono fotogrammi contigui della stessa immagine, colta in tutte le sfaccettature. A dare identità all’opera è ora un velo d’ombra, ora un manto di pulviscolo solare, ora invece colori caldi che l’artista sembra mutuare dagli intonaci bolognesi, dai rossi affogati del cotto e dai gialli accarezzati dai brividi di luce”. (Marilena Pasquali, Morandi, Firenze 1990, pp.39-40) e aggiunge “... intorno al 1941-’43 l’artista riprende distacco critico e senso della misura, cioè – in pittura – ritrova gli spazi distesi, l’armonia fra forme ben scelte, il dialogo di poche voci pacate, la luce radente che sottolinea le differenze nei toni cromatici”.
È attraverso tutti questi elementi che Giorgio Morandi porta avanti la sua indagine primaria: la relazione della pittura con il proprio universo interiore. La scommessa è dunque quella di guardare al fondo delle cose, spogliandole dall’esteriore e dalle frivolezze, per restituircele nella loro eterna verità.
