"A form for me is never something abstract; it is always the sign of something. It is always a woman, a bird or something else. For me, painting is never form for form's sake"
Akin to Picasso or Matisse, Joan Miró explored and represented the female body through various mediums across his career. Executed in 1932, Femmes, is one of his most abstract representations of the female form breaking away from his anti-painting period, Femmes, is a truly radical and visionary work which prefigures the abstract expressionist treatment of the female subject, and that of form itself.
Following his stay in Paris where he joined the Surrealists and participated in their first exhibition held at the Galerie Pierre in Paris in 1925, Miró’s art underwent a complete transformation. Moving away from a broadly naturalistic style, he invented a new abstract language of signs that would prove hugely influential to both his contemporaries and subsequent generations of artists. Whilst undoubtedly influenced by their experimental attitudes and ideas around automatism and the subconscious, the Spanish artist was however keen to state his independence from the movement. For Miró, Surrealism was one of several starting points that would lead him to an increasingly imaginative treatment of forms and eventually to his own distinctive abstract style. Featuring a constellation of abstract shapes and forms, rendered in bold, primary colours against a sparse background, Femmes showcases Miró’s apt use of the automatist and abstract techniques, but crucially, it exemplifies 20th century explorations of the female form motif in ever-changing iterations of representation.
Reflecting the broader preoccupations with reimagining the human body, especially women, European artist of the 1930s began to challenge these norms, presenting more abstract, fragmented, and sometimes unsettling portrayals of women. Artists such as Pablo Picasso and Salvador Dalí experimented with distorting the female figure, reflecting the broader cultural shifts in perceptions of gender, sexuality, and identity. However, the balance with figuration was a central tenet of these representations and the emphasis on physicality which emanated from them always remained intact. Executed in 1932, Picasso’s series of Marie-Thérèse portraits celebrated the female form in a semi-abstract way. In contrast, whilst executed in the very same year, the female body is far more abstract and modern. Here, fragmented, otherworldly, and reduced to signs and symbols, the figure dances in the ether of the unconscious mind. Its identity and meaning are a mystery and its presence a mere conduit for expression. Miró’s approach to the female form was deeply influenced by the Surrealist movement’s emphasis on subconscious expression, dream imagery, and automatism. In his hands, the female body became a shifting motif, rendered through abstract shapes, biomorphic forms, and fantastical compositions that challenged traditional representation.
Foreboding, for instance, the women populating de Kooning’s canvases or the forms inhabiting Gorky’s scenes, the present work appears as a catalyst for the developments that were to follow in the American Contemporary art scene. His bold use of color, surreal forms, and rejection of traditional artistic conventions paved the way for the gestural and emotive abstraction that would define the Abstract Expressionist movement. Though still primarily associated with Surrealism, his exploration of automatism—the process of creating art without conscious control—was central to Abstract Expressionism’s focus on spontaneous, expressive brushwork. Miró sought to access the subconscious in his art, and his works often combined organic forms, dreamlike imagery, and a sense of playful spontaneity. Through abstract shapes and vibrant colors to express emotions, Miró challenged the viewer to engage with the work on an intuitive, rather than intellectual, level.
For artists like Gorky and de Kooning, Miró’s work provided a model for breaking away from representational art and delving into a more expressive, emotionally charged form of abstraction. Gorky's works from the late 1930s and early 1940s, such as Garden in Sochi (1940-41), show the kind of surreal, organic abstraction that Miró had pioneered. Gorky’s use of free-flowing, abstract shapes set against fluid, layered backgrounds echoes Miró’s style but with a heightened emotional intensity and personal symbolism. Gorky, like Miró, believed in tapping into subconscious imagery, but he infused his works with his personal trauma and sense of displacement. Likewise, Willem de Kooning was also heavily influenced by Miró. De Kooning’s dynamic brushwork, fragmented forms, and use of color share affinities with Miró's abstract compositions. De Kooning’s Woman series, with its violent, gestural paint application and ambiguous forms, recalls the playful yet psychologically charged abstraction of Femmes. De Kooning took Miró’s fluidity and emotional expressiveness and pushed it into an even more aggressive, physical realm. This transformation, from Miró’s playful and surrealist representation of the female form in Femmes to de Kooning’s raw, emotive expressionism, highlights the continued relevance of Miro’s experimentations with Surrealism, Abstraction, and the female body.
« Pour moi une forme n’est jamais quelque chose d’abstrait ; elle est toujours le signe de quelque chose. C’est toujours une femme, un oiseau ou quelque chose d’autre. Pour moi, la peinture, ça n’est jamais la forme pour la forme »
À l'instar de Picasso ou de Matisse, Joan Miró a exploré et représenté le corps féminin à travers différents supports tout au long de sa carrière. Exécutée en 1932, Femmes est l'une de ses représentations les plus abstraites de la forme féminine. En rupture avec sa période anti -painting, Femmes est une œuvre véritablement radicale et visionnaire qui préfigure le traitement expressionniste abstrait du sujet féminin et de la forme elle-même.
Après son séjour à Paris, où il rejoint les surréalistes et participe à leur première exposition à la Galerie Pierre à Paris en 1925, l'art de Miró subit une transformation complète. S'éloignant d'un style largement naturaliste, il invente un nouveau langage abstrait de signes qui s'avérera extrêmement influent pour ses contemporains et les générations d'artistes qui suivront. Sans aucun doute influencé par leurs attitudes expérimentales et leurs idées sur l'automatisme et le subconscient, l'artiste espagnol tenait cependant à affirmer son indépendance par rapport au mouvement. Pour Miró, le surréalisme a été l'un des nombreux points de départ qui l'ont conduit à un traitement de plus en plus imaginatif des formes et, finalement, à son propre style abstrait. Avec sa constellation de formes abstraites, rendues dans des couleurs primaires audacieuses sur un fond clairsemé, Femmes illustre l'utilisation judicieuse par Miró des techniques automatistes et abstraites, mais surtout, elle illustre les explorations du 20e siècle du motif de la forme féminine dans des itérations de représentation toujours différentes.
Reflétant les préoccupations plus larges de ré-imagination du corps humain, en particulier des femmes, les artistes européens des années 1930 ont commencé à remettre en question ces normes, en présentant des portraits de femmes plus abstraits, fragmentés et parfois troublants. Des artistes tels que Pablo Picasso et Salvador Dalí ont expérimenté la déformation de la figure féminine, reflétant les changements culturels plus larges dans la perception du genre, de la sexualité et de l'identité. Cependant, l'équilibre avec la figuration était un principe central de ces représentations et l'accent mis sur la physicalité qui en émanait est toujours resté intact. Exécutée en 1932, la série de portraits de Marie-Thérèse de Picasso célébrait la forme féminine d'une manière semi-abstraite. En revanche, bien qu’exécuté la même année, le corps féminin est beaucoup plus abstrait et moderne. Ici, fragmentée, d'un autre monde, réduite à des signes et des symboles, la figure danse dans l'éther de l'inconscient. Son identité et sa signification sont un mystère et sa présence un simple moyen d'expression. L'approche de Miró à l'égard de la forme féminine a été profondément influencée par l'importance accordée par le mouvement surréaliste à l'expression subconsciente, à l'imagerie onirique et à l'automatisme. Entre ses mains, le corps féminin devient un motif changeant, rendu par des formes abstraites, des formes biomorphiques et des compositions fantastiques qui remettent en question la représentation traditionnelle.
Prédisant, par exemple, les femmes peuplant les toiles de de Kooning ou les formes habitant les scènes de Gorky, la présente œuvre apparaît comme un catalyseur des développements qui allaient suivre sur la scène de l'art contemporain américain. Son utilisation audacieuse de la couleur, ses formes surréalistes et son rejet des conventions artistiques traditionnelles ont ouvert la voie à l'abstraction gestuelle et émotionnelle qui allait définir le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Bien qu'il soit encore principalement associé au surréalisme, son exploration de l'automatisme - le processus de création artistique sans contrôle conscient - est au cœur de l'expressionnisme abstrait, qui met l'accent sur la spontanéité et l'expressivité du coup de pinceau. Miró cherchait à accéder au subconscient dans son art, et ses œuvres combinaient souvent des formes organiques, une imagerie onirique et un sens de la spontanéité ludique. En utilisant des formes abstraites et des couleurs vives pour exprimer des émotions, Miró a incité le spectateur à s'engager dans l'œuvre à un niveau intuitif plutôt qu'intellectuel.
Pour des artistes comme Gorky et de Kooning, l'œuvre de Miró constituait un modèle de rupture avec l'art figuratif et d'approfondissement d'une forme d'abstraction plus expressive et chargée d'émotion. Les œuvres de Gorky datant de la fin des années 1930 et du début des années 1940, telles que Garden in Sochi (1940-41), montrent le type d'abstraction surréaliste et organique dont Miró avait été le pionnier. L'utilisation par Gorky de formes abstraites et fluides sur des fonds fluides et stratifiés fait écho au style de Miró, mais avec une intensité émotionnelle et un symbolisme personnel accrus. Gorky, comme Miró, croyait qu'il fallait puiser dans l'imagerie subconsciente, mais il a imprégné ses œuvres de son traumatisme personnel et de son sens du déplacement. De même, Willem de Kooning a été fortement influencé par Miró. Le coup de pinceau dynamique de De Kooning, ses formes fragmentées et son utilisation de la couleur partagent des affinités avec les compositions abstraites de Miró. La série Woman de De Kooning, avec son application violente et gestuelle de la peinture et ses formes ambiguës, rappelle l'abstraction ludique mais psychologiquement chargée de Femmes. De Kooning a repris la fluidité et l'expressivité émotionnelle de Miró et l'a poussée dans un domaine encore plus agressif et physique. Cette transformation, de la représentation ludique et surréaliste de la forme féminine de Miró dans Femmes à l'expressionnisme brut et émotif de de Kooning, souligne la pertinence continue des expérimentations de Miro avec le surréalisme, l'abstraction et le corps féminin.