李禹煥

一九七八年作

購自藝術家本人
亞洲私人收藏
現藏者購自上述來源
日本私人收藏

This work is generally in good condition. There is some minor paint loss at the three top tips of the lines, measuring ca. 1 cm. wide. Having examined the work under ultraviolet light, there appears to be no evidence of restoration.
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超越時空
李禹煥

第二次世界大戰末期，抽象表現主義在紐約開始萌芽，讓該市晉身成西方藝壇的橋頭堡。積遜．波洛克是這項重大藝術運動的核心人物，他除掉畫架上的畫布，鋪在地上作畫，消除世代以來繪畫傳統對畫家所設的界限，從而開拓創作空間。這項前所未有的舉動，將藝術重新定義，亦強調出創作過程的重要性。另一邊廂的亞洲，李禹煥透過強調藝術創作的歷程，大舉革新當代藝壇。他將畫布置於地上，讓整個身體投入繪畫過程之中，從而與每個步驟和素材建立更緊密的聯繫。李禹煥以傳統東方顏料塗於西方畫布上，進一步擴充創作的可能性，打破亞洲藝術家的傳統框架。時至今日，李禹煥在當代藝壇仍然影響深遠，他被選為凡爾賽宮當代藝術計劃的第四位客席藝術家，作品亦得到紐約現代藝術博物館，以及巴黎龐比度中心收藏。在李禹煥眾多作品之中，蘇富比誠意呈獻其中兩幅特別重要的傑作。

今次兩幅拍品，分別來自〈從線〉及〈從點〉這兩個意義重大的系列，代表著藝術家最經典的風格。兩幅作品均呈現出藝術家從一而終的創作主題——繪畫的過程、物料與生俱來的純美、時間的流逝，以及無垠的空間。

在這兩幅拍品中，李禹煥選擇以粗面油畫布及透明動物黏膠配合礦物顏料，希望藉此提升物料的天然特性。正因為這股渴求，促使他成為六十年代日本「物派」的領頭人物，這項藝術運動提倡透過編排物料元素發揚其原始美，整個過程的重點在於提升美態，並不會改變物料的原有特質，因此成就了李禹煥低調淡然的繪畫風格。在白色畫布上，顏料都以簡單線條或塗點的方式繪畫，乍看之下大同小異，但其實每一劃都各有形態，用筆力度和黏膠份量都有所不同。李禹煥極致追求「餘白」的境界，每個表面甚少觸碰多於三次，並規則性地逐筆塗畫，讓顏料首次接觸畫布時形成粗凸的邊緣，色調隨著畫筆落下漸漸淡化。

《從點》（拍品編號1052）裡時隱時現的塗點、《從線》（拍品編號1053）逐漸褪色的整齊直線，今次兩幅拍品體現出李禹煥筆觸自由自在的抽象風格。

李禹煥的作品中，經常出現徐徐淡化的色彩效果，強調出正負空間的重要性。他的美術哲學更伸延至「有」和「無」在意義上的均等，畫面上的留白，重要性並不低於有色部分。他對色彩與留白關係的觀點，與盧齊歐．封塔納非常相似，不過對於李氏而言，空白的畫布屬於負空間，而封塔納則認為它是正空間，他在上面戳穿的深痕才是負。

就如不少同代韓國藝術家一樣，李禹煥在作品上經常強調每一筆觸和頃刻分秒的重要性。他透過在畫布上重覆某些筆劃，從而探索時間的進程，把它看成多個稍縱即逝的時刻的組合，它們時而相似但永不重覆，以獨一無二的形態去表現和留存。因此，《從線》可被看成是時間的記錄；李禹煥透過這件作品尋找呈現物料美態的全新方式，也是其繪畫過程的探索日記。

李禹煥的作品之另一主題，就是無垠的空間。在其論文＜On Infinity＞中，他提到「外在的世界深深進入我的作品之內...... 自我是無盡空間的開端，但只有和超越自我的事物連繫起來，才能圓滿呈現。」《從點》對無涯的概念作出比照，就如《從線》一般，這幅拍品的顏料在畫布上由濃至淡、慢慢消失貽盡，象徵著藝術家對無限性的追尋；他以深藍色比喻為自我，並逐漸消失於虛空無盡的畫布背景之中。一排排的細小方形，與唐納德．賈德的「堆疊」作品有異曲同工之妙，後者襯以空洞的純白背景。不過，雖然賈德的簡約風格與李禹煥有幾分相似，但他們的不同之處，在於賈德較集中表現科技與未來，而李氏的作品則與永恆和時間這些東方哲學息息相關。再者，李禹煥的畫作呈現出流動的視覺效果，這點是賈德所缺乏的。繪畫期間，每次畫筆上的顏料用完，他便會重新蘸上，令畫布上出現三四行而非單一印痕。這些線條代表著無休止的單向動態，或許可比喻為光陰的永恆流動，並且像直線一樣只朝著一個方向前進。

然而，李禹煥經常向過去與未來汲取靈感，與他在時間題材方面的處理有所不同。亞洲歷史文化和他所接受的傳統訓練，在其藝術創作上佔著重要席位。他在一九三六年出生於南韓，一九五六年前往日本留學，並於一九六一年取得日本大學哲學學士證書。踏足社會頭幾年，他曾經擔任藝評人、哲學家及藝術家，從而接觸到西方社會的更廣層面，讓他開始受到國際藝壇的注視。在日本的數年間，他摒棄了傳統的日本畫技法，大膽嘗試當時席捲全球的抽象派風格。李禹煥透過結合傳統東方顏料及西方媒介成就突破，並啟發了不少同代藝術家。他將東西藝術合而為一的做法，也許體現了他對突顯物料及技法的關係的渴求，這兩項元素雖然互惠共生，但對象身份則南轅北轍。這種跨文化的技巧素材組合，不單是李禹煥的個人特色，也延伸至一眾同代韓國抽象藝術家。

二〇一〇年，李禹煥美術館於日本香川縣直島町正式開幕，該館由安藤忠雄設計，集中展示這位藝術家的出色作品。再加上二〇〇九年，日本政府因其「對日本當代藝壇貢獻良多」而頒授榮譽勛章，更強調出他在當代藝壇舉足輕重的地位。在多姿多采的四十年藝術歷程中，李禹煥的作品享譽國際，為同代以至下一代的韓國藝術家開啟大門。他透過流暢的線條與筆觸，成功引證了「過程與終點同樣重要」的道理，作品看似簡單，但同時滿載錯綜複雜的細節。李禹煥以韓國人的身份繼續在日本當代藝壇發熱發亮，也以旁觀者的身份審視內在，尋找自我與周遭環境的連繫。