2026年香港蘇富比現當代藝術晚間拍賣十五件代表傑作

香港蘇富比現當代藝術晚拍即將在3月29日舉行，本文集中介紹十五項涵蓋繪畫、雕塑、混合媒材的精選拍品。這些作品在光與影之間表達耐人尋味的意象，呈現出或寧靜沉思的氛圍，或神秘的神話傳說，或日光之下的溫暖日常。

保羅・塞尚，《岩石》，約1867至1870年作

塞尚有譽為「現代藝術之父」，他的藝術創作從根本上連結十九世紀的藝術傳統和二十世紀的現代藝術運動。他摒棄如印象派般追求稍縱即逝的光影和氛圍，轉而探索大自然中固有的基本結構和幾何秩序。

在《岩石》（約1867至1870年作）中，岩石遭受嚴重風化，但草木鬱茂，塞尚顯然深受這般景致打動，因而以同一構圖創作了油畫版本和水彩作品。此作是塞尚早年岩石繪畫中尺幅最大的作品之一。

喬治・莫蘭迪，《靜物》，1942至1943年作

《靜物》（1942至1943年作）誕生於二次大戰進入尾聲之際，當時莫蘭迪隱居於波隆那郊區的格里扎納。世界紛亂動盪，莫蘭迪卻致力描繪「謙遜的物件」（umili soggetti），將物件排列成內在結構穩定的幾何世界。正如二十一世紀意大利畫家雷納托・比羅利在日記寫下觀察所得，盛讚莫蘭迪對佈置物件具有「令人驚嘆的分配感」。此作透過沉穩質樸的大地色調，即所謂精緻的低飽和度「莫蘭迪色系」，加上精妙佈局，將簡單平凡的杯子昇華為冥想場域，並對後來的極簡主義和觀念藝術產生深遠影響。

趙無極，《雲》，1956年作；《紅色大地 - 16.01.2005》，紀年2005年1月16日

今季現當代藝術晚拍呈獻兩幅法籍華裔先鋒藝術家趙無極的精湛傑作。

《紅色大地 - 16.01.2005》（紀年2005年）以亮眼奔放的火紅色為主調。2008年，法國雜誌《Vernissages》創刊號紀念趙無極從藝六十年的個人成就，為他進行專訪。在該期雜誌的封面，趙無極精神奕奕地站在《紅色大地 - 16.01.2005》前，笑容滿面，可見此畫是他藝術生涯中的得意之作。另外，此作收錄於何塞・弗雷什（José Frèches）編著的《趙無極–作品、文字、訪談錄》（Zao Wou-Ki - Oeuvres, écrits, entretiens）一書，該書彙集了藝術家不同時期的重要文字、訪談和作品；此作亦著錄在《趙無極 1935 – 2008》（Zao Wou-Ki 1935 – 2008）一書，進一步突顯此作在他作品中的重要地位。

《雲》（1956年作）是可資比較的更早期傑作，岩石上塗抹了猶如書法筆劃的深紅色線條，充滿質感，就像讓語言在礦石表面上暫時獲得喘息的旅程。此作預示趙無極即將進入五十年代末的「狂草時期」，也是展示他「甲骨文時期」已臻成熟的代表典範。

児島善三郎，《裸女》，1928至1929年作

日本現代藝術先驅児島善三郎於1893年出生於日本福岡，二十歲那年，他為實現當畫家的夢想移居東京。《裸女》（1928至1929年作）屬於罕見之作，児島善三郎一生只創作了約五十幅裸女肖像，其中站姿裸女更少於二十幅。由於背景大多缺乏可以辨識的物件，他筆下的人物能夠超越時空，清新自然，容易令人產生共鳴，引領觀者展開想像和投射感情。

藤田嗣治，《年輕女子肖像》，1931年作

藤田嗣治的《年輕女子肖像》（1931年作）散發著不經意的優雅，畫中人展現漫不經心的青春面容，屬於他三十年代作品的典型特色。藤田嗣治回到日本前，已經是二十年代巴黎藝壇上備受矚目的人物。1950年，日本因二次大戰遺禍而出現巨大轉變，藤田嗣治決定重回法國。梳洗中的女子是反覆見於歐洲印象派繪畫和日本浮世繪版畫的題材，藤田嗣治本身就經常遊走於日本和歐洲文化之間，他也因為這個廣為人知的題材而找到穩定的立足之處。

勒邁耶，《峇厘室內的兩位女子》

勒邁耶曾就讀於布魯塞爾的皇家美術學院，1932年他初次來到峇厘島，此後便致力繪畫這座心愛的島嶼，描繪沐浴在陽光下的優雅景色，刻劃當地的溫暖氛圍、傳統儀式、舞蹈和文化歷史。他選擇住在沙努爾海灘的傳統峇厘式住宅，《峇厘室內的兩位女子》便是記錄這段當地生活的珍貴寫照。木色深潤的家具在微光下給黃色花朵和綠色桌布映照得閃閃生輝，畫中光線溫馨愜意，引領觀者沉浸於舒適宜人、半明半暗的家居空間。

草間彌生，《捲蒂南瓜》，1998年作；《南瓜》，2015年作

身為最偉大的在世藝術家之一，日本藝壇巨星草間彌生的創作一直讓世人驚嘆不已。今季現當代藝術晚拍呈獻兩件出自其著名「南瓜」系列的典範之作，分別是雕塑和繪畫。

《南瓜》（2015年作）高逾兩米，以著色強化玻璃纖維塑料製作，外觀飽滿豐腴，營造讓人靜思冥想的氛圍。草間彌生與南瓜之間有著深厚的羈絆，這種聯繫源自她年幼時參觀家族經營苗種農場的回憶，並藉著早年在京都研習藝術的經歷而加深，開始以不斷繪畫南瓜為冥想的方式。這類圓點南瓜雕塑醒目大膽，廣受全球愛戴，集樂觀、平靜、喜悅於一身，為草間彌生帶來靈性上的平衡。

《捲蒂南瓜》（1998年作）創作於十七年前，當時草間彌生處於藝術生涯中的關鍵時期。雖然她在前一年曾入住精神病院，卻沒有妨礙她繼續高產量創作。就在她完成此作的同一年，「永恆的愛：草間彌生，1958–1968年」回顧展在洛杉磯縣藝術博物館開幕，之後巡展至紐約現代藝術博物館和明尼阿波利斯沃克藝術中心，最後以東京都現代美術館為終站。畫中南瓜蒂盤繞一圈，極為罕見，是迄今唯一一幅現身拍場的南瓜畫作具有這項特徵。

赫爾南・巴斯，《難題》，2012年作

赫爾南・巴斯現於邁阿密生活和工作，他的畫作充滿象徵意涵，具有強烈氛圍感，總是曖昧不明，潛藏各種可能。《難題》（2012年作）描繪一男子在森林中孤身一人，被茂盛植物和無人踏足的小徑環抱，置身於既像電影場景、又帶有超現實和奇幻意味的烏托邦氛圍中。男子領口立起，目光低垂，他「蒼白和像幽靈般消瘦」的身影躊躇不前，就如縈繞他的霧氣和水流似的無常易逝。畫中氣氛詭異幽森，喚起十九世紀浪漫主義那般充滿情感的風景，讓人聯想到賈斯帕・大衛・費得利奇一類藝術家的作品，此作與費得利奇的《霧海上的旅人》同樣暗示了大自然和自身之間的脆弱平衡。

段建宇，《藝術雞5號》，2003年作

段建宇利用雞大肆嘲弄和反諷藝術，同時突顯城市與郷村生活之間的衝突。《藝術雞5號》繪於2003年，出自她在千禧年代開始創作的最重要系列。她完成此作的同一年，應邀參加威尼斯雙年展，展出由一百隻雞模型組成的裝置《藝術鷄》，該作品現存四十隻雞模型，並獲香港M+博物館收藏。

段建宇出生於中國河南，畢業於廣州美術學院，她特意在此作中挪用愛德華・馬奈的名作《草地上的午餐》，融入別具特色的諷刺風格，針對藝術史上女性總被物化的現象，提出自己的個人見解。

李聖子，《無題》，1961年作

李聖子是韓國重要的抽象藝術先驅，與金煥基和朴壽根等藝術家並駕齊驅。1951年，她離開漫天戰火的韓國，前往法國大茅舍藝術學院深造。她如此描述當年經歷：「在海洋深處，我安然抵達了巴黎⋯⋯我將要在異國的土地上重生。」以熾烈火紅為主調的《無題》（1961年作）出自李聖子的「女性與大地時期」（1958–1968年），時值她移居法國的十年後，讓人聯想到縫紉和耕作，關係到照料、守護和傳承。她身為三子之母，又對韓國十分思念，兩者便成為這個時期驅動她創作的最大動力。

露西・布爾，《22:14》，2022年作

露西・布爾出生於紐約，所創作的《22:14》（2022年作）尺幅恢宏，高逾兩米，猶如一首用多層色彩疊加而成的抽象藝術交響樂。布爾憑著精準的直覺，巧妙將四至二十層不等的顏料交織於畫面結構中，作品肌理錯綜複雜，彷彿帶有法醫鑑定和發掘考古遺址的特質，既引人入勝，卻又讓人氣餒，迫使觀者近距離細心觀賞。正如2021年她接受《Bomb》雜誌專訪時所言：「時間至關重要。我覺得很多畫作都像是隨著時間綻放的。層層疊疊的顏料開始流動、解構。你看得越多，看到的就越多。」

凱斯・哈林，《無題》，1982年作

街頭藝術家兼社會運動家凱斯・哈林出生於賓夕法尼亞州，所創作的符號和設計深入人心，在四十年後仍然極具標誌性。他信手畫成的發光嬰兒、吠叫的狗、金字塔、十字架、心形圖案、飛碟、陽具形狀的舞者，至今仍發人深省，讓大家繼續思考當年他認為至關重要的議題。在烤瓷漆金屬板製作的《無題》（1982年作）中，可以看見曾推動哈林從紐約市的骯髒地下鐵廣告板跳入大眾視野的力量，他將在街頭創作的經驗凝聚成線條簡練的作品，成就代表接納、友誼、社群的意象。