Giorgio Morandi

Collezione E. Vallecchi, Firenze
Galleria Falsetti, Prato
Ivi acquistato nel 1968 circa dall'attuale proprietario

XII Mostra, 1969, Galleria Falsetti, Prato, catalogo della mostra, p. 113, n. 124, illustrato
Omaggio a Giorgio Morandi, Cortina d'Ampezzo, Centro d'Arte Dolomiti, 1969-70, tav. XI, illustrato
Morandi e i morandiani, Racconigi, Scuderia della Margaria, 1996, p. 46, illustrato

Bolaffi Arte IV, Torino 1973, p. 50, 51, n. 28, illustrato
Lamberto Vitali, Giorgio Morandi. Catalogo generale. Volume II, 1948-1964, Milano 1977, n. 792, illustrato

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“Il miracolo morandiano consiste nello scoprire e nel fare intendere la poesia che si nasconde negli oggetti più miseri, o negli aspetti più semplici del paesaggio. In modo che quegli oggetti, quel paesaggio, scoperti e quasi ricreati dall’arte del pittore poeta, chi li abbia una volta visti e gustati in quelle tele e in quelle incisioni, li vedrà con una nuova sensibilità, li vedrà e li capirà meglio, più profondamente, sotto una luce poetica che prima gli era sfuggita”.
Mino Maccari Tra i personaggi di spicco della pittura italiana del Novecento, Giorgio Morandi ha sempre avuto un legame forte con la tradizione, riconoscendo, nell’opera di maestri dei secoli passati, il cuore di ciò che rende vera un’esperienza artistica: il rapporto con la realtà. Apparentemente isolato, a causa dei pochi contatti che egli ebbe con pittori e maestri del suo tempo, toccò la svolta della sua produzione artistica grazie alle lezioni dei grandi del passato. Tramite lo studio approfondito di questi ultimi, dunque, Morandi acquisì una propensione per i valori tonali, codificando le regole compositive degli oggetti, rappresentati secondo forme geometriche.

 L’interesse nell’oggetto comune e di tutti i giorni diventa la nota principale dell’indagine dell’artista, il quale ricerca costantemente il contatto con il visibile. Ciò che egli chiama “visibile” è il fenomeno, cioè una manifestazione della realtà nella sua apparenza ottica e sensoriale. Approfondendone l’osservazione fino a scrutare l’oggetto in ogni suo aspetto, Morandi ne estrapola la forma, semplificandola in elementi puramente geometrici. Tra le peculiarità del suo lavoro importanti sono la tendenza ad allineare le figure in progressione strettamente ordinata, l’apparente ripetitività delle rappresentazioni e l’isolamento estetico di gruppi di oggetti.

L’attenzione profonda non solo alla forma, ma anche alla luce e alla qualità della pennellata, è ciò che permette all’artista di stendere armonicamente i colori, i quali, complementari, presentano diversi caratteri, tutti attentamente calibrati nella resa finale. Egli si serve del colore anche per porre l’accento sulla profondità degli oggetti, preferendolo, spesso, alla prospettiva lineare. Nei lavori di Morandi, così, tutto diventa luce, dalla pennellata allo spazio e dalle forme ai bordi cromatici che definiscono gli oggetti. Inoltre, il chiaroscuro va a rafforzare il volume della figura e ne sottolinea il distacco dal fondo.

Morandi vive così di simmetria e ordine, tali che l’impatto visivo resta nitido e ridotto all’essenziale, persino quando gli oggetti si aprono alla superficie del fondo per lasciar fluire la luce che li sostiene. Lo sguardo dell’artista sul mondo è affilato e preciso: lavorando alla radice dell’immagine egli è più che attento alla realtà circostante, nonostante sembri schivo e lontano dai rumori del mondo.

Il tema dei Fiori, anche se può sembrare quello meno frequente nell’arte di Morandi, in realtà si rivela come quello più intimo, quasi segreto della sua intera poetica. Anche in questo caso, la composizione è equilibrata e armoniosa e i colori, morbidi e raffinati, sono come pervasi da un respiro di luce. A partire dagli anni Cinquanta, i dipinti di Fiori diventano più frequenti nell’opera dell’artista. Con eccezione delle opere del primo periodo, si tratta per lo più di tele dal formato ridotto, le quali, pur rappresentando lo stesso soggetto, non si riducono mai a una semplice ripetizione meccanica di esso. Infatti, mutando i piani di appoggio o la forma del vaso, l’artista mostra sempre qualcosa di nuovo.

Anche nei Fiori, l’artista parte dai modelli del passato che egli riconosce come affini, ricordando protagonisti del mondo dell’arte come Chardin, Corot e, soprattutto, Cézanne, il più vicino nel tempo e nell’animo. Morandi intrattenne così un dialogo che permeò interamente la sua vita. Egli sembra, infatti, guardare alla memoria antica tramite un confronto calcolato, per segnare la sua presenza nel proprio tempo, senza rifiutarlo, ma anzi stabilendo un rapporto dialettico con esso.



“Morandi’s skill lies in his ability to discover and uncover the nascent poetry hidden within the most wretched of objects, or in the most simple aspects of a landscape. The viewer who has seen that landscape and tasted those objects before, re-discovers them re-modeled by the poet-painter’s art, in his canvases and engravings. He will experience them with a new sensitivity, will see and understand them better, more deeply, in a poetic light which had escaped him before." 
Mino Maccari

Of all of the 20th Century Italian artists of note, it is Giorgio Morandi who retained a particularly strong bond with tradition. In the works of the old masters he recognised the core of an authentic artistic experience: a connection to reality. As a relatively isolated man, someone who had little contact with his peers in painting and scholarship, the most important influences on his artistic production derived from lessons gained from the great artists of the past. By way of a more in-depth study of their work, Morandi acquired a propensity for tonality and for codifying the compositional structures of objects, represented by way of geometric forms.

The depiction of everyday objects became the main subject of the artist’s studies, as he incessantly sought contact with the ‘visible’, or rather, the phenomenon of reality as an optical and sensorial appearance. Deepening his observation and scrutinizing every aspect of each object, Morandi extrapolated their forms, simplifying them down to their purely geometrical elements. His work is characterised by three crucial characteristics: the alignment of objects in a strictly systematic progression, the apparent repetition of representation and the aesthetic isolation of groups of objects.

His profound attention not only to the form, but also to the lightness and quality of the brushstroke, is what allows the artist to place complementary colours in such a harmonious manner. These different aspects are all carefully balanced in the final rendering. He uses colours to accentuate the depth of the objects, often privileging this technique over linear perspective. Thus, in Morandi’s works everything in rendered ethereal, from the brushstroke to the space, from the shapes to the chromatic borders which outline the objects. Moreover, a chiaroscuro technique strengthens the volume of the image and accentuates a detachment from the background.

Morandi’s work is ruled by symmetry and order, such that the visual impact is perspicuous and stripped down to its essentials, even when the objects stretch out into the background, illuminated by a delicate light. The artist’s gaze on reality is sharp and precise: working away at the very roots of the picture, he is extremely attentive to external reality, despite his ostensible diffidence towards and abstraction from the chaos outside.

The floral theme initially strikes us as unusual for Morandi, but in reality it proves to be the most intimate, almost hidden aspect, of his entire poetics. Here again, the composition is balanced and harmonious with soft, polished colours which delicately permeate the canvas. From the 1950s onwards, we find many more Fiori paintings in his oeuvre. With the exception of his production at the beginning of this period, these canvases are generally smaller and, although they often reproduce the same subject, they are never reduced to a simple repetition. Morandi always produces something new, altering the surface on which the flowers sit or perhaps the shape of the vase.

In the Fiori works, the artist works from examples of the past that he sees as similar, remembering art world protagonists, such as Chardin, Corot and especially Cézanne, who is his closest coequal, both temporally and spiritually. Morandi never ceased his dialogue with the past which penetrated his entire life. He seems to look at the past by way of a calculated comparison and a dialectic dialogue, marking his presence in his time rather than denying it.

In the Fiori works, the artist works from examples of the past that he sees as similar, remembering art world protagonists, such as Chardin, Corot and especially Cézanne, who is his closest coequal, both temporally and spiritually. Hence, Morandi maintained a dialogue that penetrated his entire life. He seems to look at the past by way of a calculated comparison and a dialectic dialogue, marking his presence in his time rather than refusing it.