Agostino Bonalumi

Collezione Brenner, New York
Frittelli Arte Contemporanea, Firenze
Ivi acquistato dall'attuale proprietario nel 2000

Londra, Gallery Robilant+Voena, Bonalumi all the shapes of space 1958-1976, 2013, illustrato

This work is in very good condition. By the left and the right margin, in the area of maximum tension, there have been micro-laceration that have been previously integrated, as visible under UV light.
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 “Mai la tela era stata così trattata con tale sapienza e allungata così seducentemente” (Francesca Pola, in Agostino Bonalumi. All the Shapes of Space, Milano, catalogo mostra, Robilant+Voena, 2014, p. 118)

“Never was the canvas so crafty treated and so seductively stretched"

L’eccezione, nell’opera di ogni grande artista, ha sempre un’importanza particolare, quasi profetica, in quanto testimonia, molto più che nella produzione “classica”, la sperimentazione tecnica o estetica dell’artista stesso. Bianco e Nero, realizzato da Agostino Bonalumi nel 1968, si fregia della forza intrinseca della rarità. Elegante, nel suo ordine geometrico, e dinamica, nella capacità della tela di espandersi come una freccia nello spazio, quest’opera segna nella carriera dell’artista un momento fondamentale. La tensione spaziale, già approfondita dall’artista dalla fine degli anni Cinquanta in avanti, si evidenzia in questo lavoro in una forma più concrea che mai: il triangolo.  La geometria di Bonalumi, come già intuito da Gillo Dorfles nel 1967, non cade mai nelle tentazioni dell’irrazionale: “il limite del coerente non è mai oltrepassato” (G. Dorfles, Agostino Bonalumi, catalogo della mostra della Galleria del Naviglio, Milano, 1967). Ma dove si concretizza la rarità di quest’opera? L’analisi non può che partire dalla dialettica della tensione, vero fil rouge dell’opera di Bonalumi. Qui, lo spettatore si trova davanti ad una dialettica della tensione diversa dalle opere realizzate fino ai primi anni Sessanta. Lo spazio non è solo investigato all’interno della tela stessa, con introflessioni ed estroflessioni, ma il corpo dell’opera si espande all’esterno dei propri confini, diventando un vero e proprio “contenitore spaziale” (Ibid.). L’unicità di questo lavoro è altresì rafforzata da altri due elementi. Da una parte, il raro uso del ciré, la cui importanza deve essere riaffermata alla luce della storia espositiva di Bonalumi tra il 1967 e il 1968. Il ciré è un materiale lucido molto flessibile che permette all’artista di lavorare sulle capacità strutturali dell’opera. In questo biennio, l’interesse per la tempera vinilica su tela passa in secondo piano, ma mai abbandonato, a favore di una sperimentazione dei materiali industriali tipica del finire degli anni Sessanta e che evidenzia, tra l’altro, l’importanza che la crescita industriale milanese, e di riflesso quella della Triennale di Milano, aveva avuto sugli artisti attivi in Lombardia. Fu tuttavia in America, nel soggiorno che Bonalumi fece a New York nel 1967 per la mostra alla Galleria Bonino, che l’artista sperimentò in maniera più decisa questo materiale. Bonalumi era attratto dalla compattezza di questo materiale e dalla sua unica capacità di avere una luminosità propria quasi riflettente. La luce, che da sempre nell’estetica dell’artista aveva avuto un ruolo primario, è qui esaltata e la capacità  espressiva dell’opera, generalmente sottomessa al ruolo costruttivo della stessa, viene posta in risalto. Inoltre, appare particolarmente interessante l’uso del doppio colore: il bianco si alterna verticalmente al nero andando a incidere sulla percezione dimensionale dell’opera. L’uso del doppio colore, anch’esso apparso con l’esperienza americana di Bonalumi, pone l’accento sull’interesse dell’artista per l’aspetto dinamico/percettivo della cromia. Il monocromo viene quindi superato lasciando spazio ad un nuove interesse dei colori in termine di luminosità che, come risulta da questo lavoro, viene notevolmente accentuata rispetto alle opere precedenti. In conclusione, lo spettatore dovrà soffermarsi attentamente sulla modulazione spaziale, altro pilastro dell’estetica dell’arista. Il triangolo, simbolo di geometria e ordine e di espansione multilaterale nello spazio evidenzia al suo centro una forma circolare, che racchiude nel suo nucleo un successivo cerchio. L’analisi non può che essere speculativa, ma è stimolante pensare che quest’opera sia stata eseguita dopo il ritorno da New York, dove l’artista era stato acclamato da Arts Magazine e dal Times come un pioniere dell’arte: “mai la tela era stata così trattata con tale sapienza e allungata così seducentemente” (ripreso da Agostino Bonalumi. All the Shapes of Space, catalogo mostra, Skira, 2014, Robilant+Voena, p. 118). Forse, quindi, ci troviamo di fronte ad un atto auto-celebrativo dell'artista che si eleva, con la sua freccia, a colpire il centro dell'arte degli anni Settanta arrivando al cuore della tensione spaziale.

In the production of every great artist, the exception is always particularly important and it has an almost prophetic role. The exception, in fact, witnesses, much more that the “classical” production”, moments of aesthetic and technical experimentations. Bianco e Nero, executed by Agostoni Bonalumi in 1968, has the intrinsic strength of rarity. Elegant, in its geometrical order, and dynamic, for the capacity of the canvas to extend itself as an arrow in the space, this work marks a pivotal moment in Bonalumi’s artistic career. The special tension, which the artist had already studied since the end of the Fifties onwards, is highlighted here in a very concrete form: the triangle. Bonalumi’s use of geometry, as Gillo Dorfle underlined in 1967, is never irrational: “the limit of what is coherent is never crossed” (G. Dorfles, Agostino Bonalumi, catalogo della mostra della Galleria del Naviglio, Milano, 1967).
But where is the uniqueness of this work located? The analysis has to start from the dialectic of tension, the real fil rouge of Bonalumi’s production. Here the beholder is in front of a different dialectic of tension than the one that appears in the works executed until the end of the Sixties. The space in not only investigated within the shaped canvas, but the body of the canvas is stretched outside its own boundaries, becoming a true “special container” (Ibid.).
Furthermore, the uniqueness of this work is reinforced by other two elements. On the one hand, we are referring to the use of the ciré, whose fundamental importance is to be explained in the light of the Bonalumi’s exhibition history between 1967 and 1968. The ciré is a particularly flexible and shiny material that allows the artist to work on the structural possibilities of the work. In this biennium, the interest for the vinyl tempera was overshadowed, but never abandoned, for the experimentations with the use of industrial material, such as the ciré, typical of the end of the Sixties. This also highlights the importance of the Milanese industrial growth in this period, which was reflected in the design exhibitions held at the Triennale of Milan, which directly influenced several artists active in the Lombard region. Nevertheless, it was in the America, during a period Bonalumi spent in New York in 1967 for an exhibition at the Bonino Gallery, where the artist experimented more thoroughly this material. The artist was attracted by the compactness of this material and by its unique shiny and reflective qualities.
In Bianco e Nero, due to the use of ciré, the light, which had always had a primary importance for Bonalumi, is exalted. Furthermore, the expressive quality of the work, usually subordinated to the constructive role of the work, is here glorified.  The use of the double color is similarly interesting: the white is vertically alternated to the black, increasing the perception of the dimension of the work. The use of the double color, which appeared in the period Bonalumi stayed in New York, stresses the artist’s interest on the dynamic perception of colors.
The monochrome, therefore, is here surpassed in favour of a new interest for the luminosity of colours. Lastly, the beholder will have to ponder of the concept of spatial modulation, other pillar in Bonalumi’s own aesthetic.
The triangle, symbol of geometry, order and multilateral expansion in the space, has at its centre a circular form, which contains at its nucleus another circle.
The analysis has to be only speculative, but it stimulating to think that this work was executed when Bonalumi came back from New York, where he was praised by both Arts Magazine and Times as a pioneer of the art world: “never was the canvas so crafty treated and so seductively stretched  ” (Agostino Bonalumi. All the Shapes of Space, exxhibiton catalogue, Skira, 2014, Robilant+Voena, p. 118). Maybe, then, we are looking at a self-celebratory act of the artist who was about to hit the artistic centre of the Sixties, throwing his arrow towards the very heart of the spatial tension.