Nicolas de Staël

Paul Rosenberg, New York (septembre 1954)
Arthur Tooth, Londres (janvier 1956)
Fisher Fine Art Ltd., Londres
Collection particulière, Suisse
Vente: Christie's, Londres, Twentieth Century Art, 9 décembre 1999, lot 380
Acquis lors de cette vente par le propriétaire actuel

 

Jacques Dubourg et Françoise de Staël, Nicolas de Staël : Catalogue raisonné des peintures établi par Jacques Dubourg et Françoise de Staël, Paris, 1968, p.335, no.830, illustré
Françoise de Staël, Nicolas de Staël, Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Paris, 1997, p.558, no.886, illustré

The colours are fairly accurate in the catalogue illustration although the contrast is more important in the original and the image does not convey the texture of the work. The work is executed on its original canvas, not relined. Under UV light, located along the upper right and upper left edges, few fluorescences are all due the varnish. This work is in excellent condition.
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D’autoportrait de Nicolas de Staël, il n’en n’est point. Une synecdoque désigne Verre et pinceau comme celui-là.
Peint à Paris en 1954, Verre et pinceau est également une œuvre exemplaire de la manière et de la vision synthétiques à laquelle Staël parvient dans les mois ultimes de l’année 1954 et du début de l’année 1955.

Le corpus des natures mortes de Nicolas de Staël s’inscrit dans la lignée d’un genre qui va des natures mortes illusionnistes des Pays-Bas du XVIIème en passant par les bodegones minimalistes du Siècle d’or espagnol jusqu’aux premières pommes de Cézanne et les dernières compositions de Braque.
Mais dans les toiles de Staël où se dissolvent les limites entre figuration et abstraction, l’objet n’est pas celui qui est identifié et représenté – fruits, fleurs, bouteilles, pinceaux ou palette – mais  la peinture elle-même. 
Quasi-conceptuelles, les natures mortes de Nicolas de Staël sont pour l’artiste le lieu d’expérimentation de procédés picturaux et d’aboutissement de ses réflexions sur l’espace, la forme et la couleur dans l’espace.
«  Chaque peintre fait ce qu’il peut avec ou sans un culte pour l’objet, mais c’est toujours un prétexte. On ne peut absolument pas penser à quelque objet que ce soir, on a tellement d’objets en même temps que la possibilité d’encaissement s’évanouit. Chez Rembrandt un turban des Indes devient brioche, Delacroix le voit comme meringue glacée, Corot tel un biscuit sec et ce n’est ni turban ni brioche ni rien qu’un trompe-la-vie comme elle sera toujours, la peinture, pour être. Objet, oui, inconnu familier, pigment » (Nicolas de Staël, Lettre à Pierre Lecuire, Paris 18 novembre 1949).

Verre et pinceau est d’une autre dimension encore. Elle est une œuvre où l’objet n’est plus seulement l’objet de la peinture, une œuvre où le verre et le pinceau représentent autre chose que des choses, un sujet unique : le peintre lui-même.

De manière inédite, dans Verre et pinceau, les attributs du peintre mis traditionnellement à l’exergue des autoportraits d’artiste -  ceux de Rembrandt à Van Gogh en passant par Poussin - sont non seulement visuellement déconnectés de la figure éponyme, mais aussi quasiment elliptiques : le verre où dans l’eau se dilue la peinture et le pinceau chargé de peinture suffisent à signaler la toute-présence de l’artiste.
Verre et pinceau serait d’un genre nouveau, flottant dans l’espace laissé libre entre l’Ut pictura poesis des Anciens et la Pittura metafisica du XXème siècle.

D’un point de vue plastique, Verre et pinceau montre un exceptionnel degré de maîtrise de la spatialité. Au choc des axes – horizontalité de la table et du pinceau versus verticalité du verre – répond la conjonction des plans tempérée par le tressaillement de la ligne d’horizon qui suggère subtilement la profondeur. Pour autant, dans Verre et pinceau, le génie de Nicolas de Staël intègre une autre dimension : une dimension abstraite qui s’épanouit dans les espaces vides, entre les formes nimbées de vapeur et les lignes indéterminées.  L’équilibre réputé implacable est visuellement perturbé par ces circulations d’espaces intermédiaires sans pour autant affecter les rapports harmonieux des objets entre eux et dans leur rapport à l’artiste. De ce point de vue,  Verre et pinceau serait l’image d’une lutte que l’on pourrait qualifier de romantique entre une perfection courageusement atteinte (l’équilibre)  et une fragilité diffuse. A cet égard et de surcroit, Verre et pinceau serait bien le miroir du peintre.

L’harmonie de Verre et pinceau est servie par la fluidité de la touche. La matière est étirée au pinceau – celui que l’artiste a représenté sur la toile – succédant à la truelle et au couteau des années précédentes.  Peint à la manière des paysages d’Italie où la luminosité a induit une intensification des couleurs et un allègement subséquent de la couche picturale, Verre et pinceau a la matière des grands horizons. Entre opaques et transparences,  glacis et halos vaporeux, Verre et pinceau impose et confirme une harmonie oscillante hors du commun.  Il faudra se tourner vers Rothko pour retrouver un tel mystère et une telle transcendance de la matière.

Blanc surnaturel du verre, bruns puissants en rupture avec les orange et vert vifs du pinceau, une touche indéfinissable d’ocre, deux éclats de rouge : Verre et pinceau est d’une sobre audace chromatique. Rien de tapageur mais quelle intelligence. Privilégiant des teintes sourdes distribuées autour d’un axe horizontal médian, Nicolas de Staël accède, avec des éclats soudains et circonscrits de couleurs contrastées et presque pures, à une stupéfiante monumentalité.

A travers le combat entre la sérénité des formes et le vertige des tons, au-delà du réalisme magique et de l’abstraction latente, Verre et pinceau est le lieu rare et ténu où ce que Nicolas de Staël voit entre en adéquation avec ce qu’il est.

Nicolas de Staël did not paint any self-portraits. However the painting Verre et pinceau (Glass and Paintbrush) can be seen as a metaphor of one.
Painted in Paris in 1954, Verre et pinceau is also an example of the synthetic vision and style that Staël reached in the last months of 1954 and the beginning of 1955.

The corpus of Nicolas de Staël’s still-life works fits into a genre that goes back to the Dutch 17^th century illusionist still-lifes, and includes the minimalist bodegones of the Spanish Golden Age, up to Cézanne’s first apples and Braque’s last compositions.
But in Staël’s canvases, where the limits between figuration and abstraction are dissolved, the object does not correspond to its representation – fruits, flowers, bottles, paintbrushes or palettes – but painting itself.
Nicolas de Staël’s still-life works are almost conceptual and a means for experimenting with pictorial techniques and for exploring his thoughts on space, form, and color in space.
“Each painter does what he can, with or without a cult for the object, but it is always a pretext. We absolutely cannot think about any possible given object, we have so many objects at the same time that the possibility of absorbing them vanishes. With Rembrandt an Indian turban becomes a brioche, Delacroix sees it as an iced meringue, Corot like a dry biscuit and it is neither a turban, nor a brioche, nor anything other than an illusion, as painting will always be, in order to exist. An object, yes, a familiar unknown, pigment.” (Nicolas de Staël, Letter to Pierre Lecuire, Paris, November 18, 1949.)

Verre et pinceau can be understood in yet another aspect: an artwork where the object is no longer the subject of the painting: an artwork where the glass and paintbrush represents something other than just things: a unique subject, the painter himself.
In Verre et pinceau the painter’s attributes traditionally displayed in the self-portrait – those by Rembrandt, Van Gogh or Poussin – are not only visually disconnected from the artist’s figure, but are also almost elliptic: a glass where water dilutes the paint and the paint-laden paintbrush are a sufficient representation of the ever present artist.
Verre et pinceau is of a different genre, floating in the space between the ancient Ut pictura poesis doctrine and 20^th century Pittura metafisica.

From a technical standpoint, Verre et pinceau demonstrates an exceptional control of spatiality. The clash of two axes – the horizontal table and paintbrush versus the vertical glass – contrasts with the toned background and the quivering line of the horizon that gives a subtle impression of depth. And yet, in Verre et pinceau, Nicolas de Staël’s genius takes on another dimension: an abstract dimension that spreads into empty spaces, between haloed forms and vague lines. The acclaimed unremitting balance of the composition is visually disturbed by the movement of intermediary spaces, yet this does not affect the harmonious relationship between the objects and their connection with the artist. Verre et pinceau thus depicts a struggle that could be qualified as Romantic, between a courageously attained perfection (balance) and a diffuse fragility. In this regard, and furthermore, Verre et pinceau is truly a reflection of the painter.

The fluid paintwork of Verre et pinceau creates a harmony. The paint is drawn out by the brush – the one depicted by the artist on the canvas – and replaces the trowel or the knife of previous years. Painted in the manner of Italian landscapes where light intensifies color and induces a subsequent reduction of pictorial layers, Verre et pinceau has the substance of great horizons.  Between the opaque and the transparent, the glaze and hazy aureoles, Verre et pinceau imposes and confirms an exceptional, vacillating harmony. Such mystery and transcendence of matter as can be found in the works by Rothko.

The supernatural white of glass, strong browns breaking against the bright oranges and greens of the paintbrush, an imperceptible dab of ochre, two splashes of red: Verre et pinceau reveals a sober, chromatic audacity. Nothing gaudy but such intelligence. Favoring muted tones distributed around a horizontal, median line, Nicolas de Staël attains an astounding monumentality with sudden, contained flashes of contrasted, almost pure, color.

Through the conflict between the serenity of form and the dizziness of color, beyond magical realism and latent abstraction, Verre et pinceau is the rare and tenuous place where what Nicolas de Staël sees, concords with what he is.