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A triumphant exemplar of Magritte’s mature oeuvre after his return to Belgium, his 1947 painting La Leçon des choses combines myriad visual motifs accrued over the course of the artist’s career, rearranged to form an original composition in a process similar to that of his earlier word-paintings.

La leçon de choses is a strong testament to Giorgio de Chirico’s inspiration on Magritte. The former’s otherworldly dislocation of reality, as depicted in The Song of Love, a reproduction of which was shown to Magritte by a friend in 1922, had moved him so deeply it irrevocably changed his artistic trajectory. Though his works were (like his contemporaries’), enigmatic and deeply conceptual, Magritte’s precise execution and methodical reimagination of quotidian objects and settings put the artist at odds with his fellow Surrealists who privileged the automatic impulse above all else. “Magritte focused on familiar, yet idiosyncratic, subject matter, and honed a painting style that was decidedly readable. At the same time, his works questioned the logic of language and meaning, and exacerbated the puzzles of representation… Magritte never fully embraced the automatist techniques that were championed by Breton and practiced, to varying degrees by the artists surrounding him—including Arp, Ernst, André Masson, Miró, and Yvès Tanguy. Indeed, Magritte was suspicious of the 'so-called spontaneity' and the mediumistic aspect of such techniques” (J. Helfenstein & C. Elliott, Magritte: The Mystery of the Ordinary, 1926-1938 (exhibition catalogue), The Museum of Modern Art, New York, 2013, p. 72).

In La leçon de choses, Magritte presents everyday objects in surprising or unsettling contexts, blurring the line between reality and fantasy. This juxtaposition of the familiar with the bizarre compels the viewer to reassess their understanding of these "things" or objects. Magritte often played with this concept of détournement—subverting traditional associations between words, images, and objects. The piece is characteristic of his approach, where ordinary elements are rearranged in ways that defy logic and challenge the viewer’s expectations. The painting embodies many of the themes Magritte explored throughout his career, including the limitations of language and the ambiguity of meaning. By altering the conventional relationship between form and function, he calls into question the reliability of human perception. In La Leçon de choses, the viewer is not merely presented with objects but is prompted to reconsider the assumptions behind those objects, as if they must "relearn" what they are seeing.

Magritte’s depiction of women in a telescoping sequence of torsos, reminiscent of Matryoshka dolls, reflects his fascination with the surreal manipulation of the human form. In these images, the female figure is fragmented into a series of progressively smaller torsos, stacked one above the other. As the torsos shrink in size, they simultaneously stretch upward, creating a visually unsettling distortion of the body. This technique emphasizes the tension between form and proportion, while exploring themes of identity, repetition, and transformation. The Matryoshka-like arrangement introduces a sense of mystery, evoking the layered complexity of the human figure and the elusive nature of reality.

Often developing his visual motifs in series, across media and decades, the present drawing can be linked to multiple related paintings, including L'importance des merveilles of 1927, La Folie des grandeurs, formerly in the Menil Collection and La Folies des grandeurs II, in the collection of the Hirshhorn Museum. The artist also conceived this form in sculpture in 1967 upon the encouragement of his friend and dealer Alexandre Iolas, who exhibited the work two years later. In his recurrent use of this motif in multiple media, Magritte expands his visual paradox, inviting the viewer to explore the nature of perception and reality.

When Magritte painted La leçon de choses in 1947, he was in the midst of questioning his own work, an aesthetic and intellectual journey that was as fertile as it had been when he first encountered Surrealism in 1924. Challenging the dogmatism of André Breton, who had taken refuge in the USA, he surrounded himself with a new generation of artists, including Pol Bury, to whom he confided: "Since the beginning of this war, I have longed for a new efficiency that would bring us charm and pleasure. I leave it to others to worry, to terrorise and to continue to confuse everything.” (in Magritte and Renoir. Le Surréalisme en plein soleil, exh. cat. Paris, Musée de l'Orangerie, 2021, p. 159). It was indeed time for the settling of scores with Breton, who did not share Magritte's hedonistic point of view. The artist plunged with delight into the rediscovery of Renoir and his passion for the portrayal of women and spiced up his aesthetics with a strong and renewed commitment to the Communist Party. His newfound exploration of color and sensuality even led him to some truculent visual provocations.

Since its execution, the present work could be found on the walls of some of the most exciting and renowned collectors. First belonging to Magritte's champion, charismatic gallerist Alexander Iolas, who was instrumental in bringing Surrealism to America, the work was acquired by renowned female collector and key figure of the New Orleans cultural scene, Muriel Bultman Francis, whose keen eye and connoisseurship is still celebrated today. Jumping from one illustrious collection to another, the work then later entered Sir Elton John's famously curated collection. The singer who posed with the work a number of time across three decades and moved with it from one luxurious mansion to the next, is reputed for his unrivalled modernist photography collection and keen eye for modern and contemporary art. His extensive collection features works by prominent artists like Man Ray, Matisse, Picasso, Breton, Hockney, Hirst, and Warhol.

Exemple triomphant de l'œuvre mature de Magritte après son retour en Belgique, son tableau de 1947 La leçon de choses combine une myriade de motifs visuels accumulés au cours de la carrière de l'artiste, réarrangés pour former une composition originale selon un processus similaire à celui de ses peintures de mots antérieures.

La leçon de choses est un témoignage fort de l'inspiration de Giorgio de Chirico sur Magritte. La dislocation de la réalité dans l'autre monde, telle qu'elle est décrite dans Le chant d'amour, dont une reproduction a été montrée à Magritte par un ami en 1922, l'a si profondément ému qu'elle a irrévocablement changé sa trajectoire artistique. Bien que ses œuvres soient (comme celles de ses contemporains) énigmatiques et profondément conceptuelles, l'exécution précise de Magritte et sa réimagination méthodique d'objets et de décors quotidiens ont mis l'artiste en porte-à-faux avec ses collègues surréalistes qui privilégiaient avant tout l'impulsion automatique. « Magritte s'est concentré sur des sujets familiers, mais idiosyncrasiques, et a affiné un style de peinture résolument lisible. En même temps, ses œuvres remettaient en question la logique du langage et du sens, et exacerbaient les énigmes de la représentation... Magritte n'a jamais pleinement adhéré aux techniques automatistes défendues par Breton et pratiquées, à des degrés divers, par les artistes qui l'entouraient, notamment Arp, Ernst, André Masson, Miró et Yvès Tanguy. En effet, Magritte se méfiait de la 'soi-disant spontanéité' et de l'aspect médiumnique de ces techniques « (J. Helfenstein & C. Elliott, Magritte : The Mystery of the Ordinary, 1926-1938 (catalogue d'exposition), The Museum of Modern Art, New York, 2013, p. 72).

Dans La leçon de choses, Magritte présente des objets quotidiens dans des contextes surprenants ou troublants, brouillant la frontière entre la réalité et l'imaginaire. Cette juxtaposition du familier et du bizarre oblige le spectateur à réévaluer sa compréhension de ces « choses » ou objets. Magritte a souvent joué avec ce concept de détournement, en renversant les associations traditionnelles entre les mots, les images et les objets. L'œuvre est caractéristique de son approche, où des éléments ordinaires sont réarrangés d'une manière qui défie la logique et remet en question les attentes du spectateur. Le tableau incarne de nombreux thèmes explorés par Magritte tout au long de sa carrière, notamment les limites du langage et l'ambiguïté du sens. En modifiant la relation conventionnelle entre la forme et la fonction, il remet en question la fiabilité de la perception humaine. Dans La Leçon de choses, le spectateur n'est pas simplement confronté à des objets, mais il est amené à reconsidérer les hypothèses qui sous-tendent ces objets, comme s'il devait « réapprendre » ce qu'il voit.

La représentation de femmes dans une séquence télescopique de torses, rappelant les poupées Matryoshka, reflète la fascination de Magritte pour la manipulation surréaliste de la forme humaine. Dans ces images, la figure féminine est fragmentée en une série de torses de plus en plus petits, empilés les uns sur les autres. À mesure que les torses rétrécissent, ils s'étirent simultanément vers le haut, créant une distorsion visuellement troublante du corps. Cette technique souligne la tension entre la forme et la proportion, tout en explorant les thèmes de l'identité, de la répétition et de la transformation. L'arrangement de type Matryoshka introduit un sentiment de mystère, évoquant la complexité de la figure humaine et la nature insaisissable de la réalité.

Développant souvent ses motifs visuels en séries, à travers les médias et les décennies, le présent dessin peut être relié à de multiples peintures apparentées, dont L'importance des merveilles de 1927, La Folie des grandeurs, anciennement dans la Menil Collection et La Folies des grandeurs II, dans la collection du Hirshhorn Museum. L'artiste a également conçu cette forme en sculpture en 1967, encouragé par son ami et marchand Alexandre Iolas, qui a exposé l'œuvre deux ans plus tard. En utilisant ce motif de manière récurrente sur plusieurs supports, Magritte élargit son paradoxe visuel, invitant le spectateur à explorer la nature de la perception et de la réalité.

Lorsque Magritte peint La leçon de choses en 1947, il est en pleine remise en question de son propre travail, un cheminement esthétique et intellectuel aussi fertile que lors de sa première rencontre avec le surréalisme en 1924. Contestant le dogmatisme d'André Breton, réfugié aux États-Unis, il s'entoure d'une nouvelle génération d'artistes, dont Pol Bury, à qui il confie : « Depuis le début de cette guerre, j'aspire à une nouvelle efficacité qui nous apporterait charme et plaisir. Je laisse à d'autres le soin d'inquiéter, de terroriser et de continuer à tout embrouiller ». (in Magritte et Renoir. Le Surréalisme en plein soleil, cat. ex. Paris, Musée de l'Orangerie, 2021, p. 159). L'heure est en effet au règlement de comptes avec Breton, qui ne partage pas le point de vue hédoniste de Magritte. L'artiste se plonge avec délectation dans la redécouverte de Renoir et de sa passion pour la représentation des femmes et pimente son esthétique d'un engagement fort et renouvelé au sein du Parti communiste. Son exploration nouvelle de la couleur et de la sensualité le conduit même à des provocations visuelles truculentes.

Depuis son exécution, l'œuvre s'est retrouvée sur les murs de quelques-uns des collectionneurs les plus passionnants et les plus renommés de l'histoire moderne. D'abord propriété du champion de Magritte, le galeriste charismatique Alexander Iolas, qui a joué un rôle déterminant dans l'introduction du surréalisme en Amérique, l'œuvre a été acquise par la célèbre collectionneuse et figure clé de la scène culturelle de la Nouvelle-Orléans, Muriel Bultman Francis, dont l'œil avisé et l'esprit de connaisseur sont encore célébrés aujourd'hui. Passant d'une collection illustre à une autre, l'œuvre est ensuite entrée dans la célèbre collection de Sir Elton John. Le chanteur, qui a posé plusieurs fois avec l'œuvre au cours de trois décennies et l'a transportée d'une luxueuse demeure à l'autre, est réputé pour sa collection inégalée de photographies modernistes et pour son œil avisé en matière d'art moderne et contemporain. Sa vaste collection comprend des œuvres d'artistes de premier plan tels que Man Ray, Matisse, Picasso, Breton, Hockney, Hirst et Warhol.