Lucio Fontana

Brerarte, Milano
Collezione privata, Milano
Collezione Bianchi, Milano
Studio Marconi, Milano
Ivi acquisito dall'attuale proprietario nel 1975 circa

Milano, Galleria Il Mappamondo, Lucio Fontana: "paragrafi", 1980, p. 89, illustrato a colori

Enrico Crispolti, Fontana: catalogo generale, Milano 1986, vol. II, n. 67 T 119, p. 675, illustrato
Enrico Crispolti, Lucio Fontana Catalogo ragionato di sculture, dipinti, ambientazioni, Milano 2006, vol. II, n. 67 T 119, p. 868, illustrato

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Un unico profondo, elegante taglio caratterizza questo iconico lavoro di Lucio Fontana datato 1967.

Concetto Spaziale, Attesa, 1967, è molto di più che uno dei numerosi tagli fontaniani; è l’essenza della poetica spazialista di cui Fontana era padre e principale portavoce. Un unico taglio, deciso, che non lascia spazio a speculazioni filosofiche, a virtuosismi teorici: è la traccia di quel gesto che ha rivoluzionato il mondo dell’arte, aprendo l’Italia alla contemporaneità, a un panorama internazionale, alla radicalità dei movimenti post-modernisti, all’avanguardia.

 

Come lo scultore Alik Cavaliere ha esemplarmente spiegato nei suoi Taccuini, raccontando di un artista umile che quasi a voler giustificare il suo successo diceva di essere “di moda”, il lavoro di Fontana “è un lavoro di avanguardia nel senso proprio della parola. Avanguardia da un lato come rottura di schemi, ma dall’altro come apertura di un discorso nuovo, valido come idea, o come indicazione per altri, in un senso molto più vasto del gesto iniziale.”

 

Realizzato nel 1967, Concetto Spaziale, Attesa si pone agli sgoccioli della più proficua parentesi creativa del Maestro italo-argentino, quella iniziata nel 1959-1960, caratterizzata da tagli monumentali che solcano quasi l’intera superficie della tela. In questo caso, il taglio, pulitissimo, è perfettamente proporzionato con la superficie monocroma, e gioca con la sua cadenza ritmata, su un doppio livello di spazialità.

 

Non solo infatti il taglio in sé apre l’opera d’arte alle infinite possibilità dello spazio, autorizzando la luce (o il buio), la realtà tutta, ad entrare nella tela stessa, permettendo al reale di essere incorniciato, di prendere possesso dello spazio dell’arte, ma esso si erge anche su uno sfondo che, in quanto monocromatico, e per di più bianco, ha in sé la consistenza di un “non colore”; mancando di centro e periferia, la tela ha le potenzialità per essere infinito. Ecco allora che l’iscrizione sul retro si imbeve di significato, registrando lo stupore e la curiosità di un artista che ha aspirato, e conquistato, l’infinito, un artista valido oltre qualsivoglia moda: “Sta per tramontare il sole, che spettacolo..”

 

Il bianco allora, nella sua travolgente neutralità, ha la funzione di incanalare l’attenzione dello spettatore verso ciò che davvero conta: l’idea, il taglio. Il bianco è il traguardo di una raggiunta maturità, la forma più pura entro cui il concetto fontaniano può manifestarsi. Non a caso questo splendido Concetto Spaziale, Attesa è stato realizzato un anno dopo la XXXIII Biennale di Venezia, nel 1966, quando l’Ambiente Spaziale creato da Fontana gli garantì il Gran Premio Internazionale per la Pittura. A tal proposito Maurizio Fagiolo dell’Arco parlò di “un colossale manifesto bianco, […] apologia antropologica del bianco; coscienza che l’ornamento è un crimine ma anche immagine vergine di un mondo tutto da ridipingere… è la natura snaturata di Arp, la natura lunare di Brancusi, la natura stregata di Licini…”

One deep and elegant cut characterizes this iconic 1967 work by Lucio Fontana. Concetto Spaziale, Attesa, is much more than one of Fontana’s numerous Tagli; it is the essence of the spatialist poetry that the artist fathered and was the main spokesman. One single cut, determined, that does not leave space to philosophical speculations, or theoretical virtuosity: it is the trace of that gesture that revolutionized the art world, opening Italy’s doors to the contemporary, to an international panorama, to the radicalism of the post-modern and to the avant-garde.

In one of his Taccuini, the sculptor Alik Cavaliere once described the artist who justified his success by saying he was just “in fashion”: “(the work of Fontana) is a work of avant-garde in the real sense of the word. Avant-garde for breaking the schemes, but on the on the other hand also for the opening of a new dialogue, a valid idea, an indication for others, in a much more profound sense than just the initial gesture”.

Executed in 1967, Concetto Spaziale, Attesa, is found in the end of the most prolific period of production of the Italian-Argentinian Master, that one that began in 1959-1960, characterized by large cuts that slash almost the entire surface of the canvas. In this case, the Taglio, a clear-cut perfectly proportional to the monochromatic surface, plays with its rhythmical movement on two levels of space.

Not only does the cut open the artwork to the infinite possibilities of space, authorizing light (or darkness), the most absolute reality, to enter deeper inside the canvas. This allows reality to be framed, to take possession of the space of art, and this is empowered by the white monochromatic background, as it has the consistence of a “non colour”; the absence of a centre and a border, gives the canvas the potential of infinity. So here is where the quote on the back of the painting acquires all its essence, exposing the surprise and curiosity of an artist that aspired and then conquered the infinite, artist that goes beyond any sort of trend : “The sun is setting, what a sight…”.

Thus, the white, in its overwhelming neutrality, has the function to drive the attention of the audience towards what really counts: the idea, the Taglio. The white is the accomplishment of maturity, the most pure form in which Fontana’s Concetto Spaziale can manifest itself. It is not by chance that this splendid work was executed one year after the XXXIII Biennale of Venice, in 1966, when the Ambiente Spaziale guaranteed Fontana the Gran Premio Internazionale per la Pittura. On this topic Maurizio Fagiolo Dell’Arco spoke of “a colossal white installation, […] anthropologic reflection on white; conscience that ornament is crime but is is also the virgin image of a world that needs to be re-painted….. It is the unearthly nature of Arp, the lunar nature of Brancusi, the haunted nature of Licini…”