Alberto Burri

Acquisito dalla famiglia dell'attuale proprietario direttamente dall'artista negli anni Settanta

This work is in very good condition. The white tonality is warmer compared to the catalogue illustration. There are 3 tiny retouching probably inherent to the artist's media to the center of the right edge and of the upper edge and to the upper left corner.
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Alberto Burri: cretti e forme
Da una raccolta privata 

Nella sua decennale carriera artistica, Alberto Burri ha sperimentato tecniche e materiali diversi, mantenendo tuttavia sempre al centro della sua ricerca il rapporto con la Materia. L’esperienza dei cretti, qui declinata in tre esemplari di piccole dimensioni, si pone temporalmente tra le combustioni plastiche e la conquista dei Cellotex degli anni ‘80. I cretti, costituiti da spesse superfici quadrate o rettangolari, sono creazioni nelle quali Burri fa colare un denso impasto ottenuto con la miscela di bianco di zinco, caolino sottoposto poi ad essecazione coperto da colle viniliche. Nel procedimento di essicazione si crea il cretto. L’intensità espressiva, che aveva toccato i punti più alti con le combustioni, si vede qui attenuata per lasciare spazio ad una maggiore liricità e tranquillità architettonica. E’ l’epifania di una metamorfosi artistica, precisamente della dialettica artista – materia,  che rivela anche un perido di rivoluzione sociale di cui Burri stesso si rende testimone storico. La rabbia dopo gli accadimenti della Seconda Guerra Mondiale, visivamente evidente nelle combustioni, è stemperata nei cretti, dove si palesa solo l’eredità del dolore: le cicatrici. Come si può riscontrare in questi tre esempi,  Burri, che negli anni settanta era già arricchito dei momenti di ricerca materica dei sacchi e delle combustioni, assume, con i cretti, il ruolo dell’architetto: la materia non viene più abusata e distrutta, ne' creata: la si accetta e la si indirizza in un percorso paritario tra l’artista e la materia stessa. Sono opere che raccontano di visioni indirizzate, ma mai imposte, come ben evidente nell’opera Bianco cretto (lotto 17), dove lo spazio centrale trova un connubio armonioso con la materia rilegata ai margini.

I cretti “[m]ettendo in evidenza un fortissimo riferimento alla superficie terrestre, ai suoi lineamenti e, ancora una volta, al conflitto tra vitalità e distruzione, è come se l’artista, attraverso questo difficile procedimento, volesse riordinare i processi naturali, vincere il Caos”.[i] Un Caos che Burri percepisce e riordina, ma non impone, con la libertà dell’autoditatta, in una sorta di astrattismo geometrico legato alla materia e che in questi cretti, per la loro dimensione, ci permette un’ulteriore considerazione. Questi tre lavori, data la loro reverenziale ed intima dimensione, attestano la volontà di Burri di creare un rapporto personale con lo spettatore delle opere stesse. Si tratta di un bisogno di supporto che l’artista chiede all’”altro”. Esigenza che si rende visibile anche nelle due piccole carte datate 1968, ove si evidenzia lo sforzo burriano di creare intimità con un soggetto per poi approfondirlo in dimensioni più ampie. E’ l’umiltà dell’uomo Burri, che prima di sfidare le sue stesse abilità ne attesta i limiti, conscio che solo nell’evitare l’hybris artistica risiede la vera speranza di conoscere a fondo un soggetto. Le forme illustrate in queste due carte, che ricordano i gobbi ed i successivi cellotex, verranno poi riposti su  altri materiali. In questi lavori del 1968, l’artista ne studia la bidimensionalità, che poi approfondirà in una dimensione tridimensionale con, ad esempio, Il bianco e nero gobbo del 1969. Forme decise e delineate, quasi ad indicare notti opache che avanzano incalzanti ma che non riescono a prendere possesso definitivo dello spazio. Al limite del contatto le notti che quasi si scontrano nel lotto 19. Anche qui, tuttavia, lo spazio si salva dell’incombenza delle tenebre: l’architettura burriana resite, tenta il limite, ma non cade nel monocromo. Ancora una volta, Burri si sfida e sfida la materia, sia ora cretto sia ora forme, e quindi colore, senza perdersi. La ricerca artistica è salda perchè è fatta di punti di referimenti stabili. Interessante, da questo punto divista, riflettere sulla provenienza di queste opere: Venezia. Terra lagunosa ed instabile, quella della laguna veneta, ma tuttavia punto fermo per l’esperienza artistica di Burri. Nel 1956, infatti, Burri partecipa alla prima Biennale di Venezia. Nello stesso anno la celebre e storica galleria del Cavallino della famiglia Cardazzo, dedica una mostra all’artista di Città di Castello. L’esperienza espositiva  verrà poi ripetuta alle Biennali del 1960, quando vinse il “Premio della Critica”, e del 1984. Venezia, quindi, che prima di altre città apprezzò la poetica burriana, fu un punto di riferimento per l’artista. Quese opere quindi, che si pongono nel corpus delle opere di Burri come rivelatrici di momenti artistici di elevata importanza per l’artista stesso, sia per il rapporto con la materia, sia per il rapporto con le forme, accrescono di valore simbolico per l’origine della loro provenienza.

[i] (Di Capua-Mattarella,  “Palazzo Albizzini-Fondazione Burri”, Skira editore, Milano, 1999).

 

Throughout his artistic career, Alberto Burri experimented with different techniques and materials, keeping the focus of his research, however, on the relationship with the Matter. The experience of the cretti, here shown in three examples, should be temporally collocated between the plastic combustions and the conquest of the Cellotex happened in the 80s. The cretti were created by Burri pouring slowly a dense mixture of zinc white (and) kaolin on thick square or rectangular surfaces, which were then covered with vinyl glues and left to dry. It was in the drying process, indeed, that the cracks were generated.

The intensity of expression, which had previously reached its highest levels with the combustions, is here attenuated in favour of greater lyricism and architectural calmness. It is the epiphany of an artistic metamorphosis, namely the dichotomy artist-material, also revealing a time of social revolution of which Burri himself was a historical witness. The anger caused by the events of World War II, visually evident in the combustions, is dissolved in the cracks, which show only the legacy of pain -the scars.

As we can see in these three works, when creating the cretti, Burri, who in the 70s had already dealt with the material research of sacks and combustions, takes the role of an architect -the matter is no longer being abused or destroyed, nor created. It is just accepted and led into a path where it finds itself on the same level of the artist. These works convey visions that are only hinted, never imposed, as evident in the Bianco cretto (lot 20), where the central space is harmoniously combined with the matter at the margins.

The cretti “[h]ighlighting a strong reference to the earth’s surface, its features and, again, the conflict between life and destruction, it is as if, through this difficult process, the artist wanted to reorder the natural processes, to win the Chaos”.[i] A Chaos that Burri perceives and reorders with the freedom of the self-taught, without any impositions, in a sort of geometric abstractionism about the matter which these cretti, thanks to their size, let us investigate further. Given their intimate size, indeed, these three works attest Burri’s desire to create a personal relationship with the viewer. It is a need of support that the artist asks to the “other”. This need is also evident in the two small works dated 1968, where it is evident the artist’s effort to become familiar with a subject matter in order to deepen it later, in bigger dimensions. This is the humility of Burri as a human being, who, before challenging his own abilities, attests their limits. As such, he knowns that only in avoiding hybridartistic lies the hope to deeply know a subject matter. 

The shapes illustrated in the two works, which resemble the gobbi and the subsequent cellotex, were proposed again on different materials. Indeed, in these works of 1968 the artist studied their two-dimensionality, which he then deepened in a third dimension with, for example, the Il bianco e nero gobbo in 1969. The shapes are neat and defined, and they resemble opaque nights moving forward and becoming imminent, but always failing to take final possession of the space. Almost colliding are also the nights in lot 20. Even here, however, the space is saved from the incumbent advancement of darkness –Burri’s architecture resists, tries the limit, but does not fall into monochrome. Again, Burri challenges both himself and the matter, being it cracks or shapes, and also colours, without getting lost.

The artistic research is strong, as it is made of stable reference points. From this perspective, it is interesting to consider that the inspiration for this works was Venice. Unstable and constantly changing territory, that of the Venetian lagoon, but nevertheless a fix point for Burri’s artistic experience. In 1956, indeed, he took part to the first Venice Biennale. In the same year the famous and historic gallery Cavallino of the Cardazzo family dedicated an exhibition to the artist. He participated again to the Biennale of 1960, when he won the “Critics Award”, and to that of 1984. Venice, thus, appreciating his work before anyone else, was a landmark for the artist.

These works, indeed, particularly important in Burri’s corpus of oeuvre as they reveal moments of high importance not only for the artist, but also for his relationship with the material and the shapes, increase of symbolic value for the origin of their provenance.

[i] (Di Capua-Mattarella,  “Palazzo Albizzini-Fondazione Burri”, Skira editore, Milano, 1999)